MAN IS THE BASTARD NOISE - N.S.L.U.

MAN IS THE BASTARD NOISE - N.S.L.U.
"NO SKULL LEFT UNTURNED"
(Hear More!, 200Mg, 2007)

Al fin llegó. Había una enorme pero justificada expectación. Tras una tensa e interminable espera de más de dos semanas ya tengo entre mis manos el esperadísimo último lanzamiento de Bastard Noise y sus grupos hermanos. Como se puede ver en las fotos, no se trata de un disco convencional. Concebido, confeccionado y publicado conjuntamente por Hear More! Records y 200mg Records, “N.S.L.U.” es una de las ediciones más ambiciosas y cuidadas que he visto nunca y, desde luego, un testimonio único del universo ideológico-musical de Wood, Nelson y compañía. Un completísimo paquete “hecho por y para fanáticos del Cráneo”. De eso no hay duda: efectivamente, una vez abres el embalaje lo primero que observas es el cuidado y la dedicación con la que se ha llevado a cabo esta mastodóntica labor de recopilación (cuya conclusión al parecer ha costado más de 4 años). Una labor ejemplar realizada, como bien dice el libreto, por auténticos freaks de Man Is The Bastard, Bastard Noise y otras bandas estrechamente ligadas.

El contenido es espectacular: empaquetado en un sobre de papel gris precintado con un sello de cera (con el símbolo del cráneo) y envuelto en una bolsa de plástico transparente. Dentro, un paquete de cuatro libretos. El primero de ellos (¡88 págs.!) repleto de imágenes, fotos de conciertos, flyers, carteles y mucho más. El segundo con 64 páginas de entrevistas a Wood, Nelson y otros muchos. El tercero dedicado a registrar la discografía completa de las bandas participantes, así como del resto de encarnaciones que las precedieron de una u otra forma (los seminales Neanderthal, Pissed Happy Children, Charred Remains, etc.) y un poster desplegable en color con todas las portadas. Finalmente, el último libreto incluye tres cd’s con material completamente nuevo de Bastard Noise, Amps For Christ, Unicorn, BN/K2, The Hierophant, Antennacle y material antiguo de Sleestak, con su detallada información correspondiente. Por si esto no fuera suficiente, viene acompañado de dos plantillas repletas de pegatinas, un par de marcadores para libros, un parche bordado y una simpática chapita. Como dije antes, impresionante. Por lo pronto, aún sigo hojeando los libretos, de modo que cuando haya escuchado convenientemente los tres cd’s hablaré un poco de su contenido (lo que seguramente significará otra buena parrafada :). Man Is The Bastard fueron una de mis bandas preferidas de todos los tiempos y parece que a día de hoy Bastard Noise poco a poco también están ocupando ese puesto privilegiado entre mis grupos predilectos. Con semejante ética de trabajo y piezas de coleccionista como ésta es difícil no maravillarse. Sólo queda dar las gracias y disfrutarlo.

CONVERGE EN MADRID

KIYOSHI MIZUTANI - SCENERY OF THE BORDER

KIYOSHI MIZUTANI - SCENERY OF THE BORDER: ENVIRONMENT AND FLOKLORE OF THE TANZAWA MOUNTAINS
(and/OAR, 2005)

Reinicio la actividad después de varios días (más de los deseables) para hablar del disco que –para bien- ha monopolizado mi atención últimamente. “Scenery of the Border: Environment and Folklore of the Tanzawa Mountains” es el último trabajo del artista sonoro japonés Kiyoshi Mizutani. A estas alturas, poco importa ya que hasta comienzos de los 90 fuese parte integrante de Merzbow. Tras abandonar el barco, Mizutani inicia su carrera en solitario, la cual deparará un buen puñado de estupendos trabajos: “Waterscape”, el genial “Birds Songs” en Ground Fault Recordings o las más recientes colaboraciones con el estadounidense Daniel Menche (“Garden” y “Son Of Jike”). Para entonces ya hacía tiempo que se había alejado del ruido más áspero y agresivo para centrarse casi fundamentalmente en la grabación de campo. Inevitablemente, y como no podía ser de otra forma, termina cruzando su camino con el de la imprescindible discográfica and/OAR. Consecuencia de tan natural encuentro es este magnífico doble cd de 122 minutos, que incluye además espectaculares fotos tomadas por el mismo Mizutani y un detallado mapa ilustrativo sobre los puntos exactos de grabación. Impecable la presentación y el diseño para un magistral tratado ‘sonoro-natural’. Mizutani lo explica así:

“Estas grabaciones de campo se realizaron en la región de Tanzawa, al suroeste de Tokio. La cordillera de Tanzawa, un grupo de montañas aisladas que separan las zonas antiguamente conocidas como Kai, Musashi y Sagami, tiene una muy vívida historia. Fue escenario de muchas contiendas históricas, incluyendo la batalla entre Takeda y Hojo. Fue refugio y lugar de escondite para los soldados derrotados que huían del enemigo; y también el lugar para leyendas tales como la tragedia de la pérdida de la princesa del ejército. Fue además el emplazamiento de la ruta ascética de Hasuge e Hinata, de las que todavía se pueden encontrar algunos restos. Las grabaciones tuvieron lugar como resultado de mi interés por esta fronteriza región montañosa, la gente que ha vivido allí, sus caracterísiticas naturales, el paisaje. Esta obra, además de presentar Tanzawa tal y como es hoy día, arroja luz sobre el pasado de la zona. Los sonidos allí registrados pueden dividirse en categorías tales como acontecimientos naturales, animales, estructuras construidas por el hombre y tradiciones folclóricas. La combinación de ciertos elementos encontrados en una localización particular determina el carácter de su propia atmósfera. Para hacer este cd, junté las diferentes combinaciones, a modo de un álbum de fotos sonoro. Más allá de buscar un significado en los sonidos individuales, sugiero escuchar en el sentido de fijarse en los varios paisajes, uno tras otro. En cualquier caso, la consistencia cognitiva que uno mantiene al escuchar música contemporánea aquí no es necesaria.”

Cierto es. La ‘consistencia cognitiva’ aquí deja paso a la percepción directa, desnuda y sin manipulaciones del sonido del ambiente, ya sea éste el de la Naturaleza, del hombre o de los artefactos ingeniados por éste. Dadas las características del lugar, predominan los ambientes cargados de agua (la lluvia es un elemento casi omnipresente): ríos, arroyos, riachuelos, caídas, saltos de agua y cascadas de mayor o menor altura sirven de escenario y hábitat para gran número de especies de pájaros, perfectamente retratados aquí: Mizutani es apasionado de la ornitología y eso se nota en el cuidado a la hora de grabar los cantos así como en el momento de identificarlos (algunos títulos incluso aluden con precisión a especies concretas). Entre tanto, sonidos de granizo, viento, insectos, pisadas, piedras, hojas caídas, así como el ruido de una central eléctrica, el interior de un túnel, una subestación, música de baile clásica e incluso el paso de un avión toman parte también en la caracterización de una zona que debe ser tan remota como excepcional. “Scenery of the Border” es una exhaustiva descripción no sólo espacial, sino también temporal de una región: rituales, ceremonias ancestrales, oraciones, santuarios e invocaciones forman parte de la historia y tradición del lugar y así lo registra Mizutani, que intercala y superpone con una sencillez aplastante todo el abanico de elementos a su disposición. “Scenery of the Border” viene a ser un excelente disco, no muy distinto a lo que hizo Francisco López en “La Selva”, y debería entusiasmar tanto a los acostumbrados a estas cosas como a quien quiera pasar un buen rato escuchando en profundidad el sonido que emite la naturaleza.

MEGAPTERA - BEAUTIFUL CHAOS

MEGAPTERA - BEAUTIFUL CHAOS
(Fever Pitch Music, 1998)

Megaptera es uno de los proyectos más impresionantes del Industrial escandinavo. Durante quince años han ido labrándose un nombre gracias a un sólido y poderoso sonido, una música rítmica y decididamente muy oscura. Son muchos los que consideran a Megaptera los verdaderos precursores del death industrial, que desencadenaron la aparición de una nueva tendencia musical y que a día de hoy tienen una gran cantidad de seguidores repartidos por todo el mundo. A lo largo de su carrera artística, Megaptera han publicado más de quince álbumes en los sellos más importantes de música underground especializada y han conseguido establecerse como un interesante y relevante fenómeno cultural. Los integrantes de la banda (Peter Nyström y Magnus Sundström) describen el concepto detrás de su música como un reflejo de la hegemonía de los tétricos eventos globales en el propio sonido. Locura, violencia, mentiras, guerras, enfermedades y muerte acompañan a todos y cada uno de los elementos que componen la música de Megaptera y simbolizan la fuerza conductora de este mundo. Abundan en su música los tópicos que los noticiarios de televisión arrojan continuamente sobre las masas. Recuerdan a películas de terror, mientras que los samples de películas de bajo presupuesto destapan un humor específico, un tanto horrendo, propio del death industrial. A pesar de que Megaptera como banda no se declaran de ideología política alguna, sus ritmos pesados y enérgicos, sus graves frecuencias analógicas y sus samples monótonos revelan no sólo el horror del mundo en el que vivimos, sino también la indiscutible maestría musical de sus componentes para capturar la esencia de la cruda realidad e ingeniárselas para convertirla en música.

Hay una buena reseña de "Beautiful Chaos" aquí.

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ASTRO - SHELL STAR / SPICA

ASTRO - SHELL STAR / SPICA
(Cipher Productions, 2004)

"(…) The actual content that is not less amazing: Astro is the solo project of Hiroshi Hasegawa who is best known for his work with C.C.C.C. They're one of my very favourite noise bands, and I must say Astro isn't too far behind. I would call this psychedelic noise, as it's clearly noise, but it's kind of "soft" sounding (not weak by any means) and droning, and there's all kinds of echo effects and the sounds come in slow waves. It's probably made on analogue synthesizers and effects pedals. All frequencies are utilized well and the tracks (one long one on each disc) are constructed with thought and care. “Shell Star” is for the most part more noisy, whereas “Spica” is more ambient. They're both cosmic stuff in every way, and you will float away with the sound whether you want it or not. Of course this is highly recommended." Dilettante's Digest.

"Two mini cd’s, near twenty minutes each, makes for basically a full album. Ambient Space Noise. Our man Hiroshi Hasegawa is in complete control. The sound penetrates the ether, sprays in the void and leaves trails in the chasm. Some very sublime moments here; from minute sounding electro-gurgle to the full raging voidworm tearing space to streamers. It's great to hear someone who knows how to really play a synthesizer instead of just treating it like an eccentric background sound or a glorfied keyboard. A very crisp sound recorded loud for extra noise pleasure. Lots of echo on this giving it extra cosmic oomph. The missing link between Power Electronics and Klaus Shultze. This is what the universe really sounds like, so get used to it, it'll be all you hear when you die. Editions are limited sadly (you should see the packaging; very classy), but this one is worth it." Taped Crusaders.

Astro - Shell Star / Spica

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MARC BEHRENS & PAULO RAPOSO - HADES

MARC BEHRENS & PAULO RAPOSO - Hades
(and/OAR, 2006)

Tras haber escuchado recientemente cuatro de los cinco últimos discos editados por el sello estadounidense and/OAR, puedo afirmar sin temor a equivocarme que en la actualidad es uno de los sellos más interesantes en el ámbito de la música experimental y la grabación de campo. Su referencia número veinticinco y último lanzamiento hasta el momento es esta colaboración entre el alemán Marc Behrens y el portugués Paulo Raposo, respetados artistas sonoros y copropietarios a su vez del sello Sirr Records. No es éste sin embargo el primer fruto de su encuentro, ya que en 2004 editaron “Further Consequencies of Reinterpretation”, disco aclamado por la crítica relacionada y notablemente distinto a “Hades”, ya que aquel profundizaba de forma abstracta en la música experimental microtonal. Más tarde volverían a unir fuerzas para sacar otro disco conjunto: “Product 04”, editado en Cronica Electronica, al igual que el anterior.

El disco que nos ocupa representa un nuevo y desafiante paso en la carrera del dúo Behrens-Raposo y un álbum de considerable envergadura dentro de lo que se viene denominando arte sonoro contemporáneo. “Hades” es el resultado de la combinación de nítidas grabaciones de campo sin manipular con sonidos procesados en el estudio. El material sonoro utilizado fue grabado durante 2001-2005 en las localidades de Cais do Sodré (Lisboa), Trafaria y Cacilhas, en los muelles y ferrys que operan de un lado a otro del río Tajo. Inicialmente Behrens y Raposo recogieron el sonido y trabajaron con él independientemente, aunque después pasarían a realizar grabaciones específicas y a componer las piezas sonoras de forma conjunta, durante 2003-2006.

Como resultado, cuatro son las composiciones que constituyen “Hades” (aunque en la hoja interior figuran cinco, el tema homónimo no existe “físicamente”) a lo largo de casi una hora, en la que tienen cabida un gran abanico de recursos sonoros: fonografía, ruidos diversos, inquietantes atmósferas, drones, silencio, música concreta, etc. Estructuralmente, el disco está vertebrado en dos pistas de pequeña duración intercaladas con otras dos que superan los veinte minutos. “Gate (I)” se abre con un breve silencio que pronto es roto por un moderado pero denso drone. Sonidos grabados y una intermitente y tenue percusión se van añadiendo mientras el drone subyacente crece en intensidad para luego desaparecer casi por completo, y dejar únicamente el ruido de motores, maquinaria, etc. Poco a poco el grave drone recupera protagonismo e intensidad sincrónicamente con el ruido generado por el motor de los barcos. Es entonces cuando todo cesa bruscamente y aparece el suave sonido del oleaje generado al paso del barco, que enlaza de forma tranquila y silenciosa con “Crossing Into”: finos silbidos y suaves sonidos yendo y viniendo, yuxtapuestos con largos silencios que proporcionan una tranquilizadora sensación de calma y quietud. Sonidos casi imperceptibles se solapan con pequeños tonos graves, lejanas resonancias o golpes retumbando, que se van espaciando y cediendo intensidad hasta diluirse finalmente en un largo silencio. “Gate (II)” es la pieza más breve y a su vez la que mejor representa los sonidos originales grabados en los barcos: golpes, chirridos, maquinaria funcionando, ruido de gente, fricción de materiales en la cubierta y crujidos del casco se suceden y superponen sobre un discreto pero grave drone, que va decreciendo paulatinamente hasta desaparecer. “Crossing Out Of”, la última pista y también la más larga, se inicia con un oscuro y sobrecogedor drone, que se extiende inmutable durante minutos generando una creciente sensación de tensión e incertidumbre. Sonidos aleatorios van sucediéndose sobre él, a medida que aumenta la intensidad del zumbido y éste alcanza su clímax, momento en que todo el sonido desaparece en seco. A partir de ahí, con el silencio como absoluto denominador común, van salpicándolo sonidos casi inaudibles, aves, murmullos, golpes retumbando, livianos drones que aparecen puntualmente y otros no identificables. Todos desaparecen poco a poco, quedando únicamente el rastro del incesante ruido mecánico de los motores y el eterno vaivén del oleaje contra el ferry que atraviesa el agua. Un reposado y cadencioso final de trayecto para un viaje increíblemente heterogéneo. “Hades”, en la mitología griega dios del inframundo y el infierno, da su nombre a esta fabulosa colaboración, pero la sensación que deja este disco dista muchísimo de llevarte a él. Lo extraordinario de “Hades” no es su habilidad para combinar diferentes registros con total armonía y naturalidad, sino su capacidad de transformar la escucha en una oportunidad única de explorar los sonidos bajo su entorno y significado original.

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PAISAJE: TRADICIÓN, CULTURA Y PATRIMONIO

Navegando por la red he podido encontrar esta interesante exposición del Centro Gallego de Arte Contemporáneo (cGac), situado en Santiago de Compostela. Para el quiera -y pueda- acercarse hasta allí, aquí va algo de información relativa a tan atractiva muestra:

"SALIR A"
(del 10 de mayo al 24 de junio)

La atención al paisaje conforma una de las líneas de la programación del CGAC desde el año 2006. Con cursos, seminarios, publicaciones, nuevas producciones y talleres el centro lleva meses trabajando en un ámbito capital para Galicia: la naturaleza y su interacción con los hechos socio-históricos que componen eso que llamamos paisaje. Mediante esta línea de producciones y exposiciones el CGAC trata de poner en valor el hecho diferencial del paisaje desde el punto de vista tradicional, social, cultural y, sobre todo, patrimonial. Así surge Salir a, un proyecto que trata de ahondar en el paisaje singular de la Ribeira Sacra y que supondrá la primera de una futura serie de intervenciones paisajísticas permanentes. El objectivo es realizar una muestra con trabajos de Gérald Dederen, Jean-François Laporte, Fernando Suárez Cabeza, Mark Manders e Isabel Aguirre, donde el espectador podrá sumergirse en las evocaciones, en las sensaciones y en las presencias visuales, táctiles y sonoras del paisaje.
Según una de las teorías que circulan sobre los orígenes de la Ribeira Sacra, la primera noticia de este topónimo llega a nosotros gracias al documento fundacional del monasterio de Monte-derramo de 1124 en el que doña Teresa de Portugal, hija de Alfonso VI, y su segundo esposo, el conde gallego Fernando Pérez, ceden un terreno situado en locum qui dicitur Rovoira Sacrata, qui est in Monte de Ramo (un lugar llamado Rovoira Sacrata situado en el Monte de Ramo). En este documento Rovoira derivada, de robur (roble), nos habla del bosque sagrado de robles o carballeira sagrada que hoy da su nombre a la Ribeira Sacra.
Salir a se propone acercarnos a este paisaje con el bagaje cultural que la historia ha ido acumulando, no solamente generando una experiencia estética personal basada en sentir, ver y escuchar la naturaleza (entendida ésta como hecho cultural); sino además creando una nueva experiencia estética en la que están implicadas distintas disciplinas artísticas y otras visiones del paisaje. En el periplo exploratorio conformado por esta exposición podremos comprobar al final que somos nosotros, sólo nosotros, quienes –desde nuestra sensibilidad, nuestro modo de percibir el mundo y nuestro entorno– en verdad creamos el paisaje.

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MAURIZIO BIANCHI - M.I. Nheem Alysm

MAURIZIO BIANCHI - M.I. Nheem Alysm
(Silentes, 2005)

Extraído de la hoja interior:

"Triada decompositiva para piano reverberante y teclados 'osmotizados', concebida y creada entre el otoño de 2003 y la primavera de 2004.
Esta obra está dedicada a todos aquellos que proclaman la liberación del modesto sonido minimalista. Un agradecimiento especial a A. Cutolo por su continua asistencia técnica, y a G. Verticchio, S. Kaiser, K. Jochim, H. Kojo, N. Kasahara y D. Van Ravesteijn por su fiel apoyo emocional.
El concepto radical de "minimalismo" toma su origen del significado de este término, "minúsculo, diminuto" y sumerge sus raíces arteriales en el primitivismo instintivo de los pueblos ancestrales del área mesopotámica, descendientes directos del progenitor Shem. Su vida cotidiana se expresó con una pura y simple linealidad, y se empapó de sonidos cambiantes e incondicionales, en estrecho contacto con el permutable proceso de lo "minúsculo", y más tarde con la insaturada expresión lúcida e impulsiva del sentimiento ancestral, conectado con la inmediatez y la concreción creativa.
De un modo similar, "M.I. Nheem Alysm" continúa, de forma concisa, tranquila y disonante, la misma inmediatez y el mismo primitivismo "inferior", casi para enfatizar la inutilidad y la transitoriedad de cierto modernismo sofisticado, de una praxis académica rutinaria en búsqueda de un refinamiento aséptico, sinónimo de negación y frustración de la creatividad. Para decomponer este humilde y epidérmico análisis de lo "minúsculo", me valí de técnicas cacofónicas y fluctuantes, unidas a irradiaciones modulatorias, suministradas con delicada y estíptica inferioridad. Se puede definir "M.I. Nheem Alysm" como el mensaje introvertido de cierta espiritualidad liberadora, que gusta de ser al mismo tiempo una promulgación gratificante de esperanza y confianza, a años luz de la arrogante verbosidad de los religiosos tradicionalistas y de los alardes uniformistas de los mass-media.
Acercándose con ánimo receptivo y modestia mental, el oyente/estimador progresivo y meditativo puede captar la genuina intensidad nucleica y la cotidiana ejemplaridad experimental, de manera que pueda reencontrarse con sus propias vibraciones internas, su propia minúscula inferioridad, la recuperación de su propia y estabilizadora dimensión humana; y finalmente podrá liberarse, persuasivo y organizado, en los espacios sin contaminar del minimalismo permanente e inconformista".

Maurizio Bianchi. Agosto 2004.

Maurizio Bianchi - M.I. Nheem Alysm (2005)

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