Engrudo

2008-12-05T17:49:00.002+01:00

Como habréis observado los que os dejáis caer por aquí de vez en cuando, el blog ha estado muerto desde hace más de un mes. Por circunstancias personales he tenido que abandonarlo y a día de hoy no sé si lo retomaré en el futuro, ya que ahora mismo no tengo ánimo para seguir escribiendo aquí.

Me gustaría agradeceros especialmente vuestro tiempo y dedicación a todos los que habéis leído o comentado en algún momento. Supongo que sin vosotros esto tendría menos sentido aún, pero como digo, en este momento no tengo ni fuerzas ni ganas para seguir con ello. Espero que esto sea un "hasta luego" y no una despedida, pero por si acaso no lo es, muchas gracias a todos por estar ahí.

ENTIA NON - LILT

2008-10-21T18:38:00.007+02:00

ENTIA NON - Lilt (tube122)
(Test Tube, 2008)

Entia Non es el pseudónimo del australiano James McDougall, cuyo trabajo se basa fundamentalmente en los conceptos de música electroacústica y acusmática. Entia Non es un proyecto relativamente reciente, cuyas primeras referencias fueron publicadas el año pasado por la excelente discográfica U-Cover. Después vino el más que notable 'Distal', primer trabajo para el impecable netlabel Test Tube, y gracias a los cuales he tenido acceso a este interesante músico. 'Lilt' es el segundo trabajo para el sello portugués y su sonido se mantiene cercano a las características de sus anterior álbumes. Partiendo de una base cuya materia prima son las grabaciones de campo, McDougall esculpe las cinco piezas que forman 'Lilt' desde una óptica ambient, utilizando en el proceso cintas y vinilos viejos, obteniendo composiciones que oscilan entre el ambient aislacionista y la fonografía más desnuda. De esta forma comienza "Oxide Pearl", combinando un paisaje ambiental -bastante minimalista por momentos- con todo tipo de grabaciones de campo de su natal Australia (incluso lo que parece una serpiente de cascabel) y ruido de objetos. El sonido es sostenido y tenue, pero posee cierta tensión y esporádicas y repentinas irrupciones de cuerda que van acumulándose, dotando al conjunto de un componente cinemático bastante interesante, y conformando una de los momentos más notables del disco. Otra de las partes más destacables es "Littoral Glades", donde confluyen ligeros drones ambient con grabaciones de oleaje, aves marítimas, ruidos cotidianos y voces apenas distinguibles. El binomio formado por la electrónica ambiental y los sonidos grabados se polariza a un lado y a otro a lo largo de la pista pero sin perder en ningún momento un equilibrio efectivo y muy placentero.
Sensación parecida es la resultante mientras suena "A Laymans Reductio", pieza final de trece minutos que se balancea entre el ambient amplio y luminoso y -sobre todo- la fonografía más austera. Arropada por el incesante ruido ambiente de la lluvia y otras grabaciones, además de notas tocadas aquí y allá y la textura granulosa como tenue trasfondo.

'Lilt' es un disco solvente que navega entre dos aguas, plácidas ambas, aunque no siempre fáciles de manejar sin que conduzcan al aburrimiento o la auto-complacencia (lamentablemente frecuente en el ambient). McDougall demuestra que maneja perfectamente las grabaciones de campo y que sabe emplearlas con talento combinándolas con otros registros electrónicos más etéreos. El resultado es más que positivo y debería satisfacer a los que disfruten del trabajo de gente como Biosphere o Chris Watson.

01. Oxide Pearl (8'12'')
02. Perfunctory Jousting (2'13'')
03. Littoral Glades (10'42'')
04. Back Then (4'03'')
05. A Laymans Reductio (11'59'')

.zip (68.5 Mb)

web
myspace
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FLOGGING MOLLY - FLOAT

2008-10-18T18:40:00.004+02:00

FLOGGING MOLLY - Float (SD1348)
(Side One Dummy, 2008)

En marzo de este año salió a la venta 'Float', el cuarto disco de la banda de Los Angeles Flogging Molly, que a estas alturas necesita ya poca presentación. Con la estricta puntualidad de aquellos que vienen despachando un disco cada par de años, desde aquel sorprendente y lejano 'Swagger' (Side One Dummy, 2000). Por el camino, el imprescindible 'Drunken Lullabies' (2002) y 'Within A Mile From Home' (2004), además del festivo y nostálgico directo 'Alive Behind The Green Door' (grabado en el Molly Malone's de Los Angeles, bar donde comenzaron a tocar en 1997 y publicado por el sello local 26f Records ese mismo año) y el dvd documental 'Whisky On A Sunday' (2006), publicados también por Side One Dummy. Una discografía plagada de puntos fuertes muy a tener en cuenta.

Con la banda situada ya en un cómodo estatus de reconocimiento mundial nace 'Float', que viene a confirmar la progresiva evolución de la banda, tanto en el aspecto puramente musical como en el lírico, y les afianza en la posición de cabeza en el nutrido pelotón de grupos punk-rock con influencias célticas, junto a The Tossers y Dropkick Murphys (aunque el enfoque de los últimos sea distinto). En ese sentido, este nuevo disco muestra el desarrollo lógico de la banda, que por un lado presenta un sonido más trabajado, más maduro -por decirlo de alguna manera-, pero por otro mantiene las cosas donde siempre han estado: en 'Float' no hay sorpresas y su característico sonido punk-folk sigue tan presente como el primer día. Como siempre, el disco posee un equilibrado balance entre temas endiabladamente enérgicos con otros amargos y melancólicos. "The Story So Far" o el tema homónimo son brillantes canciones tradicionales cargadas de emoción y letras sentidas, mientras que la inicial "Requiem For A Dying Song", "Punch Drunk Grinning Soul" o "Lightning Storm" son auténticos himnos para corear a voces y chocar las cervezas, que combinan la inmediatez punk-rock con melodías memorables. En conjunto, no hay mucho que decir que no se haya dicho en ocasiones anteriores. 'Float' simboliza la progresión lógica de una banda que a estas alturas tiene una facilidad sorprendente para crear discos donde cada tema es una pequeña joya. Así pues, este último trabajo es tan divertido y vitaminado como los anteriores, pero mucho más pulido y desarrollado. Si bien la capacidad de sorpresa es ya limitada, la facilidad para hacer canciones que se te enganchen en la cabeza parece intacta. 'Float' es un disco sobresaliente y Flogging Molly una banda que en directo tiene que ser una verdadera fiesta. En noviembre lo podremos comprobar por estos lares.

-web-
-myspace-

① , ② , ③

SAVAGE LAND LABEL SAMPLER 2008

2008-10-07T18:52:00.013+02:00

VA - Savage Land Label Sampler 2008
(Savage Land, 2008)

Más recopilatorios. En la entrada anterior elogiaba las virtudes que muchas veces tiene este formato y ahora, aunque resulte reiterativo, me va a tocar hacerlo de nuevo a propósito de este sampler del sello (¿francés?) Savage Land, del que hasta hace muy poco no conocía absolutamente de nada. Las casualidades y mi afición por husmear afortunadamente han hecho cambiar eso.
Lo cierto es que no puede decirse precisamente que la gente de Savage Land se dedique a editar música fácil o accesible. Doy por supuesto que sus intereses musicales están en otro plano y éstos evidentemente están lejos de ataduras estilísticas o corsés comerciales. Huelga decir que los grupos con los que trabajan no son precisamente grandes nombres entre el público -muchos tampoco parecen ser excesivamente conocidos incluso en círculos más especializados-, pero como sucede la mayoría de las veces, las maravillas más sorprendentes suelen estar bastante ocultas a los ojos de la mayoría y sólo se descubren a través de una meticulosa exploración. En mi caso, el "culpable" de que este extraño disco haya llegado a mis manos es el colectivo experimental To Live And Shave In L.A. -que por cierto estuvieron no hace mucho por España-, cuyo disco 'Les Tricoteuses' (2007) fue publicado por Savage Land. De ahí a curiosear entre las otras ediciones del sello sólo mediaba un paso, el cual terminó por despejar mi ignorancia al respecto de tan peculiar escudería: su discografía estaba repleta de magníficas bandas bien conocidas (The Flying Luttenbachers, Sightings, Weasel Walter Quartet, To Live And Shave In L.A. ...).

Volviendo al disco, 'Savage Land Label Sampler 2008' es exactamente lo que indica el nombre: un recopilatorio con temas de las bandas que han editado algún disco con el sello a lo largo de este año. Eso incluye algún que otro nombre conocido y, lo que es mucho mejor, un puñado de alucinantes artistas que me son completamente ajenos, pero que no sólo no restan interés sino que resultan una novedad excitante por su calidad, su apabullante originalidad y, en algún caso, por su desmedida locura. Poco o nada tienen que ver musicalmente, pero si existe un nexo común entre todos ellos, ese es el desprecio más absoluto por lo convencional.
Así pues, entre los nombres más reconocibles figuran To Live And Shave In L.A., colectivo musical internacional dedicado a la experimentación sonora más allá de géneros y estilos, fundado a inicios de los noventa por Rat Bastard y Tom Smith, y que a día de hoy aglutina hasta dieciocho músicos (entre ellos Thurstoon Moore, Weasel Walter, Andrew WK o Graham Moore). Su inventario de herramientas es tan amplio como su discografía: voces en off, empleo de samples, corta-pega a mansalva, interrupciones y errores, extravagancias ruidosas y manipulación sonora de todo pelaje es sólo una parte del arsenal empleado por esta bizarrísima formación. Encontramos también a Weasel Walter, reputado compositor, improvisador, multi-instrumentista y miembro de un millón de grupos (The Flying Luttenbachers, Lake Of Dracula, XBXRX, Burmese, To Live And Shave In L.A., 7000 Dying Rats, Hatewave y muchísimos más). Están los propios Lake Of Dracula, con su enérgico y adictivo avant-punk'n'roll que sabe a poco, y del que conviene escuchar mucho más. Otro nombre relativamente conocido es el de Octis, enésimo proyecto avant-garde de Mick Barr (Crom-Tech, Orthrelm, Ocrilim, The Flying Luttenbachers), donde con guitarra y batería programada da forma a discordantes y ruidosas composiciones, complejas y repetitivas a partir de su inquietante y virtuosa forma de exprimir la guitarra. Recomendable.
Por otro lado, una de las bandas más innovadoras y originales que haya escuchado en mucho tiempo: 16-17. Procedentes de Suiza, formados a principios de los ochenta y creadores de un estilo propio que reúne a partes iguales metal, hardcore, jazz e improvisación libre en un explosivo y apabullante cóctel musical. Y también para desgracia de la música, una de las bandas más injustamente ignoradas. Y para terminar por todo lo alto, tres delirantes formaciones claramente de psiquiátrico, demenciadas del todo y por eso mismo merecedoras de atención en este blog. Tres bandas que -a su manera- llevan los límites de la música tal y como la conocemos muchos un paso más allá, a un lugar que esos muchos ni siquiera concebíamos hasta hace poco tiempo: Ettrick, desquiciado dúo de batería y saxo original de San Francisco, autodenominado como ¡free-jazz-black metal!; Nondor Nevai, un auténtico bicho raro del prog-metal-avant-garde, responsable también de otras bandas tan poco habituales como Hatewave, Vagiant, Aborted Christ Childe o VVarvolk y también (cómo no) en To Live And Shave In L.A. Un auténtico marciano y a la vez un fenomenal descubrimiento al que seguir los pasos de aquí en adelante. Y por último, el disparate hecho nombre de grupo musical: una banda llamada _ (sí, es lo que parece: un guión bajo), que se supone ha de pronunciarse "undrskor". Si el nombre es ridículo, espera a escuchar su música: vientos, violín, violonchelo, batería y voz ensamblados en una amalgama sin aparente sentido y completamente chiflada. Estos tíos evidentemente no están bien de la azotea y su música tan sólo es una muestra fiable de su perjudicado estado mental (por cierto, se me olvidaba decir que son geniales). Unos outsiders, provocadores o simples perturbados que bien ejercen de guinda perfecta a un pastel tan apetecible como difícil de digerir.

En definitiva este sampler da una imagen muy precisa de lo que podemos encontrar entre las bandas del sello. Savage Land es una discográfica pequeña y semidesconocida, pero con un tremendo potencial creativo y una formidable escudería de bandas tan extrañas y apetecibles que la hace merecedora de todo el apoyo que pueda recibir, y sin duda lo encontrará entre aquellos que disfruten descubriendo bandas tan transgresoras y personales como éstas. Con una combinación equilibrada entre artistas veteranos ya "consolidados" y nuevas formaciones, su arriesgada propuesta se encuentra a buen seguro en la punta de lanza del avant-garde, la vanguardia y la música extrema en su sentido más amplio. Para los aficionados sin prejuicios y la mente abierta, encontronazos como éste son una auténtica bendición.

Savage Land -web-
Savage Land -myspace-

download

_ (Undrskor)

Nondor Nevai
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THIS COMP KILLS FASCISTS VOL. 1

2008-10-02T20:37:00.007+02:00

VA - This Comp. Kills Fascists Vol. 1 [RR 6114]
(Relapse, 2008)

Parece que en Relapse han decidido continuar proporcionándonos las periódicas raciones de grind a las que nos tienen (bien) acostumbrados. Si hace nada publicaban el esperado cd que recopila los seis volúmenes de sus exitosas Slimewave Series, ahora llega a mis manos esta joya, también en forma de recopilatorio, si bien el lanzamiento fue hace ya tres meses. No obstante, para estos casos mejor tarde que nunca.
'This Comp. Kills Fascists Vol. 1' viene a ser la respuesta actualizada a esas fantásticas recopilaciones que tanto nombre tuvieron en los 90 (¿alguien recuerda esas míticas 'Cry Now, Cry Later', 'Tomorrow Will Be Worse', 'Reality Part' o 'Deadly Encounters'?). Para este primer volumen, al que es de suponer que seguirán otros, Scott Hull (Agoraphobic Nosebleed/Pig Destroyer) ha sido el encargado de seleccionar el impresionante plantel de bandas. Scott explica la necesidad de un disco así y justifica el por qué:

"Hay un montón de bandas ahí fuera que transmiten el mismo sentimiento que había hace tiempo, cuando Chris Dodge llevaba Slap-a-Ham y Fiesta Grande era la meca en la que se concentraba el "quién-es-quién" y a la que todo aficionado al hardcore underground desearía peregrinar cada año. Entonces todo era muy diferente a como es ahora. No había myspace. No había ebay. Solamente tenías casetes y siete pulgadas que habías descubierto en fanzines hechos a base de fotocopias. Y tenías que buscar todo ese material. Todo funcionaba a base de descubrimientos. Buscabas un split o casete poco conocido, y cuando dabas con él, un millón de pequeños flyers y promos de otros lanzamientos se caían de la caja. Si estabas en un grupo, no tenías photoshop. Kinko (ndt: una empresa de diseño e impresión) era vital para la existencia de tu banda y tenías que aprender a recortar logos, robar diseños artísticos, cortar, pegar, cortar, pegar...

"No pretendo ser ningún tipo de máxima autoridad para el power violence ni nada parecido, pero lo cierto es que verdaderamente éste poseía su propio sonido, su propia actitud, sus valores... era una escena propia en sí mismo. Y parece que actualmente hay tanto un puñado de bandas de aquellos días que están volviendo a juntarse (Despise You, Apartment 213, Crom), como otras que nunca lo dejaron (Lack Of Interest, Hellnation), además de un montón de bandas más jóvenes que conjuntamente están revigorizando aquella escena. Este recopilatorio está centrado mayormente en esa temática, pero de algún modo abarca desde el power violence al grind, el hardcore y otras variantes. Se supone que es una especie de tributo al modo en el que debería ser siempre la escena hardcore underground. Rápida, sin corsés, ferozmente independiente, sencilla y divertida".

Suscribiendo por completo esas palabras, desconozco si a día de hoy existe una actitud o unos valores determinados identificables asociados a este tipo de música, pero lo que es indudable es que hay una enorme cantidad y variedad de estupendas bandas que, si no recogen la mentalidad, desde luego sí que han elevado los niveles de calidad hasta una altura excepcional. Buena prueba de ello es la envidiable selección de grupos que se dan cita en 'This Comp. Kills Fascists Vol. 1', donde además muchos de ellos aportan temas nuevos y exclusivos para el álbum, que recoge catorce bandas y 51 temas en poco menos de una hora. Así encontramos desde los felizmente reaparecidos Agents Of Satan con su peculiar y excéntrico estilo hasta los tristemente disueltos Insect Warfare (hiperbrutales, aplastantes, no hay adjetivos que hagan justicia al sonido de esta apabullante banda). Desde el ultra-rápido grindcore apisonadora de Kill The Client o Magrudergrind al power-violence de Weekend Nachos y Chainsaw To The Face. O desde el grind-hardcore irreverente de Shitstorm a la maravilla enloquecida y alucinante que es ese grupo llamado Total Fucking Destruction (espectacular su personalísima mezcla de punk, grind, rock, jazz y locura). Además de todo eso, 'This Comp Kills Fascists Vol. 1' incluye gratas sorpresas en forma de bandas semidesconocidas pero a las que no conviene perder de vista: los grinders Maruta, Spoonful Of Vicodin o A.S.R.A. (ya separados), esa simpática banda de punk-grind espasmódico con vocalista chiflado que es Vasteoid o Man Will Destroy Himself, asombrosa formación de hardcore sucio y extrañamente pegadizo que no dejará a nadie indiferente. Por si no fuera suficiente, y después de una pila de años, los primeros temas nuevos de esa leyenda que son Brutal Truth se incluyen aquí, demostrando que el tiempo no ha desgastado en absoluto a esa endemoniada máquina de destruir oídos que siempre han sido los de Nueva York y que, si todo lo anterior aún no te ha convencido de que aquí hay algo gordo, merecen por sí solos la adquisición de este cd.

En definitiva, 'This Comp Kills Fascists Vol. 1' es un devastador compendio de las bandas más brutales dentro del grindcore, el power-violence y el hardcore extremo. Un magnífico ejemplo del espectacular estado de salud del que goza el género y a su manera un recorrido temporal desde bandas ya clásicas a brillantes y brutales promesas. Compra, graba, roba o haz lo que haga falta, pero escucha esto ya.

myspace
Relapse
① , ② , ③

NICOLAS BERNIER & SIMON TROTTIER - OBJET ABANDONNÉ EN MER; HERMELIN - HERMELIN LP

2008-09-17T20:29:00.013+02:00

NICOLAS BERNIER & SIMON TROTTIER - Objet Abandonné en Mer [12rec.042]
(12rec., 2007)
HERMELIN - Hermelin Lp [12rec. 049]
(12rec., 2008)

El período vacacional llega a su fin. Tras esta breve ausencia alejado por completo de todo tipo de música vuelvo a la rutina. Tampoco negaré que no está de más desconectar por un tiempo y dejar algunas cosas de lado. Pero ese paréntesis ya terminó y tras la vuelta he recuperado con normalidad el apetito musical, retomando algunos discos que había descubierto antes de marchar pero a los que no había podido hincarles el diente como es debido. En este caso se trata de un par de discos publicados por el netlabel alemán 12rec., que ya ha sido nombrado aquí en más de una ocasión, así que me limitaré a señalar ambas referencias. La primera de ellas no es una novedad puesto que es del año pasado, aunque ha sido ahora cuando la he escuchado. Se trata de 'Objet Abandonné en Mer', de los canadienses Nicolas Bernier y Simon Trottier, precioso disco elaborado usando únicamente un ordenador, guitarras eléctrica y acústica y un piano de juguete, arropados por delicadas grabaciones de objetos. El concepto del disco (signifique lo que signifique para los artistas) gira entorno a un objeto abandonado -objet abandonné-, y es desarrollado a lo largo de cuatro temas, consiguiendo un resultado notablemente brillante. Un álbum accesible, agradable y altamente recomendable:

"The 'Objet Abandonne en Mer Ep' consists of four tracks with the title track being sub-divided in parts one to three. Opener “Harmattan” starts with a loop of rhythmically ordered glitches. Two entangled layers of acoustic guitar burst in, the slide-guitar rises and invokes an intense feeling of being lost. Bow and synthesizer replace the slide until an acoustic guitar introduces a simple Folk-melody. “Objet Abandonne en Mer” is dominated by diverse field-recordings and crackling glitches. The feeling of being lost created in the first song is altered to a vague idea of rolling with the waves. The electro-acoustic cacophony of the introduction gives rise to a calm guitar melody. For the end, a thousand small Herzog-style guitars arise and consume the spectrum 'till single tones and chords begin to establish on top. The third track opens with a nice Blues-motive on electric guitar and Nicolas' trademark noises. The initial melody disappears in reverb while a diffuse second layer gains contour beneath the surface. Just before the "1.000 Hours Of Staring" similarity become too evident, a firm and catchy guitar emerges to make you hum along. Something like the album's dramaturgic peak. “Bourrasque” afterwards is the final tune. Mainly made of Simon's wonderful guitars, the songs starts with a lot of them piled up efficiently. After all, one singular Folk-melody survives just to drown in the sound of seagulls, oceanic hissing, noise and the distance echoes of Nicolas' and Simon's voices. More than just intriguing".

El otro álbum de 12rec. cambia completamente el registro. Hermelin es un grupo rock de Hanover y al parecer 'Hermelin Lp' es ya el segundo disco que sacan con este netlabel (el anterior es un split con otra banda alemana). Post-rock instrumental, desarrollos largos, melodías emotivas y atmósferas que se prolongan casi indefinidamente es lo que encontramos en este su segundo disco. Muy seguramente no será Hermelin el grupo que regenere un estilo del que no faltan practicantes, pero sus canciones están desarrolladas como para ser tenidas en cuenta y suenan bastante bien, y su trabajo de guitarras es bastante sólido. Una banda desconocida que probablemente sea de tu agrado si te gustan Explosions In The Sky y similares.

"Hermelin didn't change their style too much. The music on the actually self-titled LP is a dense mixture of Post-rock and Indie-rock, instrumental end to end, with shining melodies and a good amount of fuzz. Appropriate in production, 'Hermelin' enables you to enjoy the full range of the band's interplay, their dendritic guitar melodies over warm Post-punk bass-lines and straightforward drums. In direct comparison to the second truebred Post-rock act at 12rec. (Milhaven), Hermelin are less dreamy or ethereal. Hermelin rock harder. And their composition might need a second try to reveal all secrets. But if you check "Pliant Fur", "May 91313", the sonic re-make of "Nova Police" or the sluggish fuzz-monster "Mellow F.S.", you'll probably agree that Hermelin are worth every second of (repeated) listen".

Nicolas Bernier & Simon Trottier - Objet Abandonné en Mer (stream, download)

Hermelin - Hermelin Lp (stream, download)

Nicolas Bernier -web-
Nicolas Bernier -myspace-
Simon Trottier -myspace-
Hermelin -web-
Hermelin -myspace-
12rec.
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GOVERNMENT ALPHA - VENOMOUS CUMULUS CLOUD

2008-09-03T19:41:00.007+02:00

GOVERNMENT ALPHA - Venomous Cumulus Cloud (PACrec129, TRO259)
(PACrec, Troniks, 2007)

De todos los discos de noise que han caído en mi reproductor en los últimos días, el de Government Alpha probablemente es uno de los que me ha proporcionado mayor satisfacción. Si bien apenas he escuchado una mínima parte de su discografía anterior, las dos o tres cosas que sí conozco me hacían pensar que este nuevo trabajo tampoco me iba a decepcionar, así que decidí comprarlo y directamente lo pedí a Troniks. 'Venomous Cumulus Cloud' es el primer álbum de Government Alpha (Yasutoshi Yoshida) para el imprescindible sello que dirige Phil Blankenship (The Cherry Point) y el enésimo en la ya inabarcable producción de este joven ruidista japonés que también dirige Xerxes, sello en el que edita casetes y cd's de grandes nombres del ruido tanto japonés como americano y europeo (S. Isabella, Richard Ramirez, Knurl, Skin Crime, Bastard Noise, Jazzkammer entre otros muchos). Dicho esto, y teniendo en cuenta la más que acreditada calidad de sus trabajos, me resulta curioso y bastante injusto que cuando en ciertos lugares se habla de noise japonés únicamente se haga utilizando el nombre de Merzbow y, si acaso, alguno de sus coetáneos. Aunque por edad no corresponda a esa primera generación más conocida de ruidistas japoneses, si atendemos exclusivamente la calidad de su obra, Government Alpha es a buen seguro uno de los actuales puntales del género.

'Venomous Cumulus Cloud' viene a confirmar una vez más esa afirmación. Seis pistas a lo largo de 42' que dejan pocas dudas y lo sitúan directamente en la primerísima división. Desde el comienzo con "Revolving Lantern", el sonido está meticulosamente ensamblado en un conjunto poderoso de oleadas de feedback y mareas de graves zumbidos que van y vienen de forma permanente y en continuo cambio. A lo largo del álbum la dinámica general se mantiene dentro de esas coordenadas: una combinación perfecta de brutalidad, evolución y riqueza sonora. "Imaginary Fears" bien podría considerarse el paradigma de noise exquisitamente elaborado y estructurado: un sonido extremadamente poderoso y apabullante, plagado de matices y capas de sonido semiocultas, y que debe ser lo más parecido a encontrarse en el interior de una brutal tormenta en formación. En "Informal Funeral", por otra parte, Yoshida parece decantarse por el uso de registros menos graves en favor de la superposición de chirridos, silbidos y otros ruidos de alta frecuencia, aunque siempre manteniendo una notable heterogeneidad y sin desdeñar la presencia del chorro continuo de distorsión. "Perfumed Womb" es una peculiar y mutante aproximación al ruido psicodélico y que recuerda por momentos a KK Null por esa utilización persistente y repetida de ruiditos marcianos. El tema final ("Spiderwort And Dragonfly") es una apoteósica culminación a tan sobresaliente y arrollador álbum. Una apabullante sinfonía de casi dieciseis minutos de ruido abrasivo combinado con partes más abiertas y sosegadas, una orgía de feedback, siseos, chirridos y corrientes de ruido devastador que sirve de perfecto broche final.

'Venomous Cumulus Cloud', una vez escuchado, se posiciona como uno de los referentes más palpables del ruido de calidad, cuidado, detallado y de meticulosa composición. Un disco modelado con precisión de principio a fin, variado, complejo, brutal, y en última instancia, terriblemente satisfactorio. Uno se da cuenta, escuchándolo, que esa ruidosa amalgama de capas de sonido que nos golpea los oídos se convierte aquí en un ejercicio de escucha tan profunda que bajo determinadas circunstancias resulta hasta relajante y reparador. 'Venomous Cumulus Cloud' es un cuerpo de sonido tan puro y compacto que en su extremismo y radicalidad se convierte en un artefacto hermoso, que debería trascender las líneas que separan géneros y estilos y ser disfrutado como lo que es, una magnífica pieza musical.

-myspace-
Government Alpha
Troniks
Xerxes

① ②

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GRIDLINK - AMBER GRAY

2008-08-25T21:09:00.014+02:00

GRIDLINK - Amber Gray (HH666-120)
(Hydra Head, 2008)

En 2001 desaparecía definitivamente Discordance Axis, una de las bandas más increíbles e innovadoras que haya dado el grindcore en toda su historia. Formados en Hoboken (New Jersey) en 1992, el trio formado por Jon Chang, Rob Marton y Dave Witte rápidamente revolucionó el género gracias a su estilo extremadamente agresivo y personal, poseedor de un envidiable nivel técnico. Una verdadera rareza en la por entonces rígida escena grind. El grupo publicaría un puñado de discos y numerosos splits antes de su definitiva desbandada, sin apenas haberse prodigado en directo y dejando un considerable vacío en la música extrema. Es ahora, siete años después de la disolución de Discordance Axis, cuando el vocalista Jon Chang vuelve a la actualidad musical de la mano de Hydra Head, presentando en sociedad sus dos nuevos proyectos: Hayaino Daisuke (thrash metal aberrado y pasado de vueltas) y, el que me resulta más importante, Gridlink, una especie de reencarnación actualizada y moderna de los añorados Discordance Axis. Si aquellos eran brutales, estos -también en formato trio- no le andan a la zaga. Chang, que se deja la piel y la garganta como nunca, está acompañado de Takafumi Matsubara (guitarra, también en Hayaino Daisuke) y Bryan Fajardo (batería), y entre los tres han engendrado este explosivo artefacto que a buen seguro reventará los tímpanos al más pintado y dejará a los aficionados con la baba colgando. Si los discos de Discordance Axis eran un devastador compendio de numerosos y brevísimos estallidos, "Amber Gray" continúa con esa tradición vomitando un puñado de temas -once- en menos de doce minutos. Como era de esperar, la aproximación de Gridlink al grindcore es muy cercana a la que en su día tomó Discordance Axis: temas cortísimos, rapidísimos y endiabladamente enrevesados, aunque me atrevería a afirmar que Gridlink van incluso más allá. Jon Chang chilla y se desgarra de forma salvaje y sin descanso, con ese registro ultra-agudo tan característico y que pone los pelos de punta. Si Dave Witte era una máquina precisa e hiper-revolucionada a las baquetas, Fajardo (ex-Kill The Client, ex-Noisear) no se queda atrás en su labor y cumple de forma ejemplar con esa batería desquiciadísima y repleta de cambios de ritmo que no da respiro en ningún momento. "Amber Gray" es grindcore extremadamente técnico y veloz de principio a fin, sin pausas ni medios tiempos de cara a la galería. Aquí lo único que parece importar es la brutalidad sin mesura, la esquizofrenia espasmódica sin freno. Si hasta aquí no fuera poco, qué decir del trabajo de guitarra. Difícilmente podría encontrar alguna pega. Tanto el trabajo de composición como el de ejecución son extremos y desbordantes. Estructuras estridentes, complejas y recreándose continuamente en el calambre. Un portento de técnica, precisión y brutalidad, que en algunos momentos se desboca hacia terrenos incluso progresivos, pero que no abandona ese carácter tan violento y desmedido hasta el momento en el que acaba este mini-álbum. "Amber Gray", en su extrema brutalidad y concisión, está muy cerca de ser una obra maestra de la velocidad, el ruido y la técnica, un auténtico tour de force que a lo largo de su brevísimo minutaje corta la respiración y aplasta los sentidos. Un desafío demoledor para el oyente y uno de los más impactantes discos de grindcore que he tenido el placer de escuchar en bastante tiempo, que desde ya pasa a formar parte de ese peculiar olimpo ocupado por los trabajos de Discordance Axis, Nasum, Kill The Client o Pig Destroyer.

Gridlink - Live @ Sansui, Osaka (05-05-2006)

Gridlink -myspace-
HydraHead

① ② ③
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I SHIT ON YOUR FACE & XXX MANIAK

2008-08-23T17:07:00.010+02:00

I SHIT ON YOUR FACE & XXX MANIAK - Split 7'' (hole 02)
(The Hole Productions, 2007)

A veces la portada de un disco es suficiente por sí misma como para atraer mi atención y conseguir que escuche un disco que quizás de otra manera no tendría en cuenta. En este caso, aunque ya conocía previamente a los americanos XXX Maniak, las chuscas ilustraciones pornogore de la cubierta me llamaron la atención por su grosería y cutrez (algo que desde luego es bastante frecuente entre las bandas de goregrind). En este caso los contendientes por el premio a los títulos más estúpidos y políticamente incorrectos son los controvertidos XXX Maniak y los brasileños I Shit On Your Face, a los que desconocía por completo antes de escuchar este compartido. Al parecer llevan en funcionamiento desde el año 2002 y ya han sacado unas cuantas cosas antes de esto. Aquí se despachan cinco canciones en 4'43'', dando por buena la premisa de que cuanto más breve, mejor. Como siempre, huelga decir que si no soportas este estilo, no serán estos quienes te hagan cambiar de opinión. I Shit On Your Face lo forman Doctor Pig (gritos, gruñidos, gárgaras y capo de The Hole Productions), Seb Farts (guitarra), Alex Bowels (guitarra), Dan Farts (batería) y SyPHILis (bajo), aunque la formación era ligeramente distinta cuando se grabaron estas cinco canciones. El estilo que practican es death-goregrind espeso y muy grueso, con la voz grave hiper-gutural habitual en el género (aunque la mayoría de las ocasiones los temas son cantados a dos voces: una hipergrave y la otra más aguda y chillona). Las guitarras suenan pesadas y los riffs death son limpios, aunque quedan algo enmascarados por la voz y la batería. En líneas generales los cinco temas van a todo trapo, y aunque los blastbeats son casi omnipresentes, también queda sitio para algún medio tiempo bien conseguido, lo que les aparta del goregrind grotesco y a piñón y añade una brillante variedad. Potente y con una producción decente, si eres ferviente seguidor del género (no como el que escribe) no te defraudarán en absoluto. Y atentos porque en breve sacarán sendos splits con Lymphatic Phlegm y Pulmonary Fibrosis.

En el otro lado encontramos a los locos yanquis de XXX Maniak, que en esta grabación son Michael Yale (guitarra, bajo y batería programada) y Anthony West (cuyo rol figura en los créditos como "stealing money and fucking dudes"). Su aportación es si cabe más breve que la de sus compañeros, ya que éstos meten seis temas en tan sólo 4'05'', contando además con su ya característico uso de samples. Sus seis temas, como es costumbre, son pura locura: fulgurantes e hiperviolentos, con la batería programada a velocidades inhumanas y crujientes guitarras. No sé si gritan dos tíos o es el mismo empleando más de un registro, pero la combinación entre el gruñido gutural y la voz grave cazallera da buenos resultados. Las letras, centradas en los tópicos de siempre: porno, violación, pedofilia, asesinatos y violencia extrema, y algunos de los samples totalmente insanos, como en la desquiciada 'I'm Scared Of My Uncle Barry':

- Have you tried playing with yourself?
- You mean...
- With your penis?
- A little.
- How do you feel?
- I don't know what to do.
- Do you want me to show you?

Si bien la parte de XXX Maniak es -como la de I.S.O.Y.F.- violenta y brutal, el trabajo de producción no es tan potente como debiera y suena algo deslucido: la batería queda como poco más que un mero ruido cuando la velocidad se dispara, el sonido de la guitarra no alcanza la agresividad que en discos anteriores y, pese a la violencia extrema que les caracteriza, el conjunto suena algo cojo, un escalón por debajo del brutal sonido conseguido en su devastador "Harvesting The Cunt Nectar". Vistas sus posibilidades y la altura a la que dejaron el listón , se antoja algo insuficiente. Con todo, no debería decepcionar en exceso a sus incondicionales, que al parecer no son pocos.

I Shit On Your Face & XXX Maniak - Split 7'' (21 Mb)

DISCOGRAFÍA I SHIT ON YOUR FACE:

* 'I Shit On Your Face' (demo, 2003)
* 'Vulgar, Vile, Sick and Putrid comp.' (Sounds Of Splat, 2003)
* 'Vila Velha Noise Beach 4-way-split' (Laja, 2004)
* 'Uncontrolled Laxative Abuse 9-way-split' (Last House On The Right, 2005)
* 'Anal Barbeque' (Proud To Be Loud, 2005)
* 'I Shit On Your Face / Gory Gruesome' (Corrupted Harmony Musick, 2005)
* 'I Shit On Your Face / Vulnus' (Aenaon Music, 2006)
* 'I Shit On Your Face / XXX Maniak' (The Hole Productions, 2007)
* 'I Shit On Your Face / Wounded By Life' (Hatred, Sonoros Records, 2007)
* 'Goreism 5-way-split' (Cephalic, 2007)

DISCOGRAFÍA XXX MANIAK:

* 'Harvesting The Cunt Nectar' (Red Candle, 2004)
* 'XXX Maniak / Lymphatic Phlegm' (Black Hole Productions, 2005)
* 'XXX Maniak / Embalming Theatre' (Haunted Hotel, 2006)
* 'XXX Maniak / I Shit On Your Face' (The Hole Productions, 2007)
* 'XXX Maniak / Throatplunger' (Relapse, 2007)
* 'XXX Maniak / Coffins' (Creeping Vine Productions, 2008)

I Shit On Your Face -myspace-
XXX Maniak -myspace-
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AJAXFREE VS. SLAYER - NECROPHILIAC

2008-08-19T20:16:00.005+02:00

AJAXFREE vs SLAYER - Necrophiliac
(autoeditado, 2005)

AjaxFree es Fabio Augusto Pires, un brasileño de Sao Paulo que se dedica a crear música noise experimental en diferentes vertientes. Y Slayer... Bueno, quien a estas alturas no haya escuchado al menos un disco suyo es que sencillamente no tiene ni idea de por dónde van los tiros. Aunque ya lo quisiéramos muchos, 'Necrophiliac' no es un álbum compartido entre ambas bandas, sino un disco firmado únicamente por AjaxFree. O quizá sería más correcto decirlo del modo contrario, puesto que lo que encontramos aquí son fragmentos de canciones originales de Slayer sampleadas, remezcladas, deconstruidas o directamente desfiguradas por la manipulación digital a la que las somete el ruidista brasileño. Por establecer una analogía cercana, 'Necrophiliac' vendría a ser algo similar a lo que ya hiciera (con éxito) Bong-Ra en clave jungle-hardcore-gabba en sus eps 'Grindkrusher' y 'Sick Sick Sick', aunque si aquel se inspiraba fundamentalmente en el sonido de las primeras bandas de Earache (que pasaba por su batidora personal), AjaxFree se centra única y exclusivamente en los temas de Araya y compañía, acercándolos a sus ruidosos dominios. 'Necrophiliac' es el punto donde confluyen violentamente las inconfundibles guitarras de Kerry King y Jeff Hanneman con los zumbidos, el ruido estático y el error digital. En ocasiones las piezas originales son claramente reconocibles y la manipulación es poco significativa: la suma de las partes -bien diferenciadas- más que el resultado de masticar, tragar y vomitar un engendro a medio camino entre el thrash metal y el noise digital. Por contra, otras canciones sí son deformadas en mayor medida y, aunque mantienen a duras penas su identidad, acaban convirtiéndose en marañas sonoras donde la guitarra y la máquina conviven de forma simultánea en un ruidoso tira y afloja. No obstante, quién me iba a decir que acabaría echando en falta esos violentos y ásperos torrentes de feedback que tan brutalmente ofrecen a diestro y siniestro gente como Skin Crime o The Rita. AjaxFree prefiere decantarse por otra alternativa y 'Necrophiliac', aunque podría ser más agresivo y compacto, es lo suficientemente resultón y divertido como para que seguidores de Slayer, del "noise-y-algo-más" o simples curiosos disfruten sin complejos de sus diecisiete minutos.

AjaxFree vs Slayer "Necrophiliac" (33 Mb)

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TUPOLEV - MEMORIES OF BJÖRN BOLSSEN

2008-08-16T20:01:00.010+02:00

TUPOLEV - Memories Of Björn Bolssen (valeot_002)
(Valeot, 2008)

En su día escribía en estas líneas acerca de 'Valeot', disco de debut de Alexandr Vatagin, un joven músico vienés que descubrí casualmente gracias al netlabel sueco Mirakelmusik. Tras buscar algo de información, resultó que además de componer para su proyecto personal también formaba parte del grupo Tupolev, que para entonces también había visto publicado su primer disco online a través del estupendo netlabel alemán 12rec. (que, por cierto, se encuentra actualmente celebrando su referencia nº 50, un fenomenal recopilatorio con temas de gran parte de sus artistas, y que puede descargarse gratuitamente y/o adquirirse en un estupendo formato digipack). Pero de aquel primer disco ya han pasado más de tres años y bastantes conciertos por centroeuropa, lo que significa que entre los Tupolev de ahora y los de aquel debut existe un gran salto cualitativo que se refleja en parte en su segundo disco, 'Memories Of Björn Bolssen'.

Por otra parte, el propio Vatagin ha puesto en marcha Valeot Records, un sello con el que dar salida tanto a sus discos y a los de Tupolev como a los de bandas amigas, y ha sido lo bastante amable y gentil como para enviarme sus dos primeras referencias (thanks, Alex!).
Tupolev está formado por Peter Holy (piano y voces), Lukas Scholler (electrónica), Paul Mohavedi (batería y guitarra) y Alexandr Vatagin (bajo y violonchello), y durante la grabación del disco han contado con la participación adicional de algún otro músico invitado (guitarras, batería, violonchello o clarinete). En lo puramente musical, este segundo disco continúa la dirección marcada por el primero, con la salvedad de que aquí es de apreciar no sólo un incremento en la capacidad interpretativa de los músicos, sino también una mayor orientación de su sonido hacia unos territorios determinados. La música de Tupolev es lenta y contemplativa, discurre con parsimonia y sin ninguna prisa, dejando largos silencios y mucho espacio. A medio camino entre el jazz, la música clásica, la improvisación y la cinemática, esas diferentes corrientes se dan la mano con frecuencia, y otras tantas avanzan por separado. Así, "Rnd2" ejemplifica la conjunción de ritmos jazz con esos retazos improvisados, donde piano, batería, violonchelo y guitarra confluyen en (a)sincronía, a veces casi sin tocarse, en una pieza pausada, casi anárquica pero hermosa. O en "Nothing's Gonna Happen", jazzy y muy desnuda, donde el cálido sonido del violonchelo abraza y arropa al solitario piano, elemento central a lo largo de casi todo el disco. Sin embargo, ambas piezas acusan quizá la misma carencia: la incapacidad para alcanzar nunca un punto culminante, el clímax de la canción. La música aparece, crece la tensión, pero nunca termina por estallar, sino que se apacigua o se va difuminando hasta desaparecer.

En otros casos, los cortes presentan un enfoque más clásico, como la extraña y por momentos vacía "A Scale Of Gaps", o el caso de "Mohavedi", una preciosa composición de cadencia muy tranquila y apacible, que invita al desahogo y la despreocupación y que parece exclusivamente orientada a que nos dejemos llevar mecidos por la música. Finalmente, destacar "Garlic" como una de las composiciones más acertadas y con un desarrollo más satisfactorio. Sin la intervención del piano, es quizás la más minimalista y emotiva de todo el disco. Con la magnífica aportación al violonchelo de Arnold Haberl, arreglos de clarinete y un sutil acompañamiento electrónico, "Garlic" es melancólica, delicada y muy hermosa. Una muestra definitiva del gran potencial que tiene esta banda. 'Memories Of Björn Bolssen' es un segundo disco notable. Donde su ep homónimo pecaba a veces de inocencia y algo de amateurismo, éste muestra a un conjunto de músicos mejor compenetrados y con una propuesta más firme. Se le puede achacar, como decía antes, cierta falta de concreción en algunos temas, que pierden efectividad debido a ese transcurrir disperso y en ocasiones poco centrado. Una mayor concisión en el hilo estructural de las canciones y quizá un piano menos "desperdigado" redundarían en beneficio de composiciones más sólidas, que soporten mejor la prueba del tiempo. Una vez solventen esos pequeños detalles, no sólo serán capaces de crear piezas melancólicas y emocionantes como éstas, sino que con toda seguridad serán también memorables.

Tupolev, Cafe Prueckel, Viena (enero 2008)

myspace
tupolev
valeot records
12rec.

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BLUE SABBATH BLACK CHEER - BORRE FEN

2008-08-11T20:10:00.007+02:00

BLUE SABBATH BLACK CHEER - Borre Fen 12'' (TPALP 001)
(What We Do Is Secret, 2007)

Magnífico descubrimiento estos Blue Sabbath Black Cheer. Por supuesto, y pese a lo que tan peculiar nombre pueda sugerir, aquí no hay ni rastro de rock, heavy o similares. El contenido de este disco es mucho más oscuro y trastornado que todo eso. Blue Sabbath Black Cheer es un dúo procedente de Seattle formado por Wm. Rage (Enterruption Records) y Stan Reed (Broken Penis Orchestra, Plethora), los cuales no conozco de nada y de cuyos anteriores proyectos no tengo referencia alguna. Desde luego, BSBC parece encontrarse en un estado de efervescente creatividad a juzgar por la ingente cantidad de trabajos publicados desde comienzos de 2006. En 'Borre Fen' participan también Levi Berner y Jeff Stentorian, manipulando casetes y sumando sus voces a las de Reed y Wm.Rage, que a su vez se encargan de guitarra, cintas y demás cacharrería para generar ruido. Y se puede decir que en los escasos doce minutos que dura la cara de este vinilo -el archivo de audio en mi caso- han cumplido más que meritoriamente con ese propósito.

No obstante, 'Borre Fen' comienza con esa angustiosa calma de la que sabemos a ciencia cierta que no durará mucho. La atmósfera de una película trasladada a un disco. El ambiente distante y tenebroso y otros ruidos ligeros pero inquietantes se adentran tímidamente desde la penumbra sonora, análogamente al tratamiento habitual que el cine de terror otorga al preámbulo inicial de previsible -y horrible- desenlace. Aquí la angustia se construye a base de un oscuro y semioculto zumbido subterráneo, chirridos de origen incierto y lo que parecen voces humanas, chillidos y ruido de maquinaria u objetos. A medida que la amalgama sonora va aglutinando diferentes orígenes, la intensidad crece lenta pero inexorablemente; queda ya poco para la macabra explosión: la repentina pero esperada erupción de un monstruoso zumbido amorfo aplasta todo lo anterior para imponer la masa de horroroso feedback que va engulléndolo todo de forma devastadora. Sólo cuando pensamos que la brutalidad ha alcanzado su clímax aparecen unas horribles voces, gritos desgarrados hasta lo inhumano, escalofriantes e ininteligibles, que se mezclan con la maligna y demencial bola de ruido en una orgía de brutalidad y desesperación. Un terrorífico y truculento descenso al infierno auditivo que a duras penas se expresa con palabras. No exagero: basta oír esos apocalípticos últimos minutos de horror para experimentar la desgarradora y asfixiante sensación de tormento y desasosiego que transmite 'Borre Fen'. Una verdadera demostración de brutalidad y expresionismo que sitúa desde ya a Blue Sabbath Black Cheer como una de las bandas noise actuales más interesantes.

myspace

CROWD DETERRENT & CREEPOUT - SOSF WORLDWIDE VOL.1

2008-08-10T16:42:00.009+02:00

CROWD DETERRENT vs CREEPOUT - SOSF Worlwide Vol.1 (HA 002)
(Hard Ass, 2007)

Crowd Deterrent son una banda original de Youngstown (Ohio) y Creepout proceden de Tokyo. Ambos grupos me son completamente ajenos y la única referencia que tengo de ellos es que los dos han participado en el disco tributo a Integrity que Escapist Records publicó a principios de 2007. Con esas referencias uno ya se puede hacer una ligera idea de por dónde van a ir los tiros. Para situar a Crowd Deterrent, quizás ayude conocer el hecho de que su deprimida ciudad natal registre una elevada tasa de crimen y una pobre economía, así como una escasa tradición musical y una endogámica y a menudo violenta escena local (más detalles en Youngstown Hardcore). Factores que justificarían esa autenticidad y mala leche. Al parecer Crowd Deterrent son la banda más emblemática de su ciudad (llevan en activo desde 1997) y a tenor de lo mostrado en estos siete temas en su día los conciertos allí debieron ser demenciales. Hardcore simple y directo con mucha mala baba, violento y extremadamente agresivo. Situados en algún lugar entre Slapshot, One Life Crew y Madball, su sonido es callejero, rabioso y sus letras tratan los tópicos habituales de las calles de la ciudad. Hardcore sucio y al grano, con partes más lentas y pesadas ("Live For Revenge" suena a una mezcla perfecta de Terror y los primeros Hatebreed) y otras para corear, que suenan a casi himnos ("Local Bastards"). Trece minutos que saben a gloria y que dejan con ganas de mucho más.

Creepout vienen de Japón pero perfectamente podrían ser de Cleveland. Hardcore furioso, pesado y algo más metálico que el de sus compañeros. Su sonido podría ser un cruce entre el de bandas míticas de Cleveland como Integrity y Ringworm con el de Blood For Blood ("Can't Tell No One" es calcado a estos últimos). Medios tiempos pesados, doble bombo, guitarras metalizadas, coros y voces cazalleras y, por si fuera poco, Dwid se encarga del diseño artístico. Con todo, su parte del disco está perfectamente ejecutada y es igual de disfrutable que la de Crowd Deterrement.
En resumen, dos nuevas bandas (para mí, al menos) de hardcore en mayúsculas y filosofía d.i.y. a las que seguir de cerca a partir de ahora. Por lo pronto, para este verano Hard-Ass (sello de gente de Crowd Deterrement) tiene en preparación un cd discografía de Creepout, otro con temas inéditos, rarezas y demos de Crowd Deterrement y un split entre estos últimos y la banda japonesa Numb, y alguna otra cosa. Parece que, después de todo, habrá que prestar más atención a lo que salga de las sucias calles de Youngstown.

Crowd Deterrement -myspace-
Creepout -myspace-

① ②

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FINAL FIGHT - UNDER ATTACK

2008-08-05T20:24:00.009+02:00

FINAL FIGHT - Under Attack (SO 011)
(Straight On, 2005)

Me enteré de la existencia de este grupo leyendo un blog en el que se escribía acerca de bandas olvidadas o injustamente ignoradas. En ese blog alguien describía 'Under Attack' como uno de los mejores discos de hardcore-punk de los últimos años pero también uno de los menos reconocidos. No podía llevar más razón.
Final Fight son cinco amigos de Los Angeles que un buen día decidieron formar una banda como mero entretenimiento, con el único objetivo de pasarlo bien y tocar por ahí. Después de una pequeña demo (Step Off Records, 2003), tan escasas pretensiones dieron lugar a uno de los mejores y más disfrutables discos de hardcore que he escuchado en bastante tiempo. 'Under Attack' es un furioso latigazo de old school hardcore de los 90, rápido, potente, melódico y desgarrado, donde no caben la repetición de esquemas ni la linealidad. Con un promedio de tan solo un minuto y quince segundos, sus doce canciones registran gran variedad y personalidad para tratarse de un género tan manoseado como éste. Podría decirse que Final Fight se encuentran a medio camino de bandas clásicas como In My Eyes o Floorpunch por un lado, y de otras más modernas como Comeback Kid, Betrayed o Have Heart por el otro. Si a eso le añadimos grandes dosis de imaginación y unas letras tan brillantes como pesimistas (no hay más que leer "It's In The Blood" o "When Words Go Unchallenged"), el resultado es un álbum agresivo, enormemente disfrutable y apasionado, firmado por una banda joven y honesta que pasa completamente del hardcore y sus clichés para centrarse en la música y gritar contra el adocenamiento y el pensamiento uniforme. Como dije al principio, sumamente recomendable.

(La versión en vinilo de 'Under Attack' está disponible en Fields Of Hope Records. Además, Final Fight han publicado un split con Life Long Tragedy y dentro de poco saldrá a la luz su segundo disco a través de Deathwish Inc.)

myspace

① ② ③ ④ ⑤

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BUTCHER ABC - BUTCHERED FEAST OF BEING

2008-07-31T17:49:00.004+02:00

BUTCHER ABC - Butchered Feast Of Being
(Obliteration, 2006)

Un par de entradas atrás escribía sobre el espectacular último disco de ese gran descubrimiento nipón llamado Birushanah. Hoy le toca el turno a sus compatriotas Butcher ABC, goregrinders chiflados procedentes de Tokyo y con gente de C.S.S.O. en su formación. No es que sean unos desconocidos por estos lares -había visto hace tiempo su actuación en el Obscene Extreme Fest- pero son ya algunos años los que llevo viendo circular este nombre y hasta ahora no había escuchado nada suyo. Se supone que 'Butchered Feast Of Being' es su segundo ep si no contamos con un buen puñado de demos y los obligatorios discos compartidos (con Paracoccidiomicosisproctitissarcomucosis (!) , Death Smell y el más reciente con los alemanes Dead) y, como su predecesor, está editado por su propio sello, Obliteration Records. A pesar de estas referencias, afortunadamente Butcher ABC no son lo que se dice una banda de goregrind estándar. Y es que aunque tienen ese grotesco tufo a vísceras, vómito y porquería, no dan de lado a esa querencia por el death metal de viejo cuño, característica que me ha hecho rescatarles de la quema. Así pues, death-goregrind espeso y grotesco, con gruesas guitarras que suenan como motosierras, incansable batería de lata y un vocalista con una voz que de gutural es sobrehumana (gruñidos, gárgaras, etc. incluidos). En cuanto a las letras -ininteligibles como es obvio- la temática habitual: muerte, masacre, mutilaciones, vísceras y descomposición.

'Butchered Feast Of Being' es un disco oído mil veces con anterioridad, pero lo suficientemente machacón y aberrado como para escucharlo una vez más. Para redondear la jugada, se marcan una versión gordísima de la banda death Divine Eve e incluyen cuatro temas más como bonus. Temas que en realidad son las versiones sin masterizar de las anteriores y que curiosamente suenan más sucias y potentes si cabe. Otro brillante Ep que añadir al depósito de sanguinolentos despojos que es su discografía.

myspace

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OAKEATER - INTRUSION

2008-07-26T17:09:00.007+02:00

OAKEATER - Intrusion (nihil42)
(Nihilist, 2006)

Toda la información que he podido obtener sobre Oakeater es que son un trio de Chicago, formado por gente de otras bandas de la misma ciudad (Panicsville, Coughs y Bret Gand Is Dead). El hecho de que "Intrusion" esté editado por el sello Nihilist es la única razón que me empujó a buscar y escuchar esta cinta (que aún puede encontrarse en ebay). Y bueno, puede decirse que el sonido de Oakeater no es el que encontramos habitualmente en las referencias del sello de Andy Ortmann. Apartado del ruidismo bizarro y del corta-pega esquizofrénico de algunos de sus compañeros de sello, "Intrusion" es una inquietante combinación de black ambient deformado, drones fantasmagóricos y ciertas reminiscencias industrialoides. No es que sea algo especialmente original, aunque sí puede decirse que el disco transmite una sensación de oscuridad y desasosiego bastante intensa a base de recrear un ambiente depresivo y tétrico que logra removerte el cuerpo.

El disco está dividido en dos composiciones de 18 minutos cada una. 'First Intrusion' comienza de forma lenta y bastante silenciosa y se desarrolla con extrema lentitud. Golpes indeterminados resonando de fondo y otros ruidos extraños (¿hélices?) se solapan con zumbidos subterráneos, lejanos e intermitentes. Aunque hacia el final tienen lugar varias explosiones repentinas de ruido y alaridos ultradistorsionados, la tónica general es austera y minimalista, aunque con un sonido netamente tenebroso. 'Second Intrusion' mantiene esas coordenadas, aunque el ambiente se torna aún más desapacible y deshumanizado. Haciendo uso de campanas y el sonido reverberante de éstas, se genera un manto sonoro continuo, que a veces sisea y otras simple y llanamente estremece. "Intrusion" es un álbum inquietante y efectivo, aunque algo repetitivo por momentos. Su sonido puede llegar a exasperar a causa de su inmovilismo y su escasa capacidad de sorpresa. Por lo demás, es un sólido primer trabajo y deja entrever buenas maneras de cara a posteriores entregas. Su primer disco largo ya ha sido publicado por Nihilist y pronto deberían ver la luz un split con Yellow Swans y alguna otra cosilla más.

MySpace

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SUB POP 20º ANIVERSARIO

2008-07-16T18:29:00.010+02:00

El mítico sello de Seattle cumplió 20 años -se dice pronto- hace unos días. A las recientes reediciones que han publicado últimamente con motivo de tan señalada fecha (ver Superfuzz Bigmuff: Deluxe Edition de Mudhoney) se añadió el pasado fin de semana una celebración por todo lo alto a la que tan sólo un puñado de afortunados tuvieron la suerte de poder asistir. En tal evento fue posible presenciar en un sólo fin de semana las actuaciones de algunos de los grupos más emblemáticos de la escudería Sub Pop y de otros muchos que representan orgullosamente la actualidad de uno de los sellos más legendarios del rock independiente. Sello al que se le atribuye la autoría y paternidad de ese invento archiconocido pero que jamás existió llamado "grunge".

Sea como fuere, a lo largo de los días 12 y 13 de julio tuvo lugar en Redmond, Washington el Sub Pop 20 Festival, en el que se sucedieron las actuaciones de Mudhoney, Seaweed, Eric's Trip, Comets On Fire, Low, Green River, Wolf Parade, Red Red Meat, Kinski, Grand Archives, Iron & Wine y muchas más (ver fotos aquí). Un cartel fantástico para festejar con euforia ese vigésimo cumpleaños. Desde aquí, tan lejos de todo eso, manifestar cierta envidia sana y desearle otros veinte fructíferos años (¿quizás demasiados?) a un sello de cuya discografía tan sólo conozco una pequeña parte -imprescindible- , pero que ha desempeñado un papel fundamental a la hora de situar el rock independiente americano en el saludable status que ahora posee. Así pues, larga vida a Sub Pop.

PD: A propósito de este remarcable acontecimiento, en Pitchfork han elaborado una pequeña lista con veinte discos publicados por Sub Pop, tanto antiguos como recientes, que de algún modo u otro han desempeñado un papel importante no sólo dentro de la discografía del sello, sino también dentro de su género y, por extensión, en el rock de su tiempo.

Estos son algunos de los álbumes escogidos en esa lista:

Afghan Whigs - Congregation (1991)
Beat Happening - You Turn Me On (1992)
Codeine - Frigid Stars (1990)
Earth - Earth 2 (1993)
Fastbacks -Zücker (1993) ( pw: borninthebasement.net )
Green River - Rehab Doll / Dry As A Bone Ep (1990)
Nirvana - Bleach (1989)
Red Red Meat - Bunny Gets Paid (1995) (pw: engrudo)
Sebadoh - Bakesale (1994)
Six Finger Satellite - The Pigeon Is The Most Popular Bird (1993)
Sunny Day Real State - Diary (1994)
The Vaselines - The Way Of The Vaselines (1992)
Velocity Girl - ¡Simpatico! (1994)

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BIRUSHANAH - AKAI YAMI

2008-07-13T18:20:00.010+02:00

BIRUSHANAH - Akai Yami (lp-119)
(Level Plane, 2008)

Como era de esperar, tenían que ser los malditos japoneses quienes vinieran a arrearle una certera patada a la escena doom internacional. Una escena, dicho sea de paso, que ya comenzaba a mostrar los primeros síntomas de adocenamiento y autocomplacencia, y que en los últimos años se ha desvelado como una estupenda lanzadera de la que han salido numerosas y originales propuestas en lo que a música extrema se refiere. Birushanah se confirman ahora como la enésima banda japonesa que llega para revolucionar el panorama musical del momento.
El grupo se forma en 2002 y ese mismo año ve la luz su primer disco ("Touta"), publicado por S.M.D. Records, y que aún no he tenido la ocasión de escuchar, aunque lo haré pronto. Posteriormente, se producirían cambios en la formación, entrando el bajista de Corrupted y abandonando los dos miembros de la banda australiana Dad They Broke Me, que habían tomado parte en la grabación del primer álbum. Es en abril de este mismo año cuando sale a la calle su primer disco largo, "Akai Yami".

Entonces, ¿qué tiene de novedoso este álbum que justifique el primer párrafo de esta reseña?
El hecho de que fusionen con éxito el sludge y el doom con la música tradicional japonesa tiene que ver con eso, ya que les convierte en una banda bizarra y poco convencional dentro de la escena metálica. Esa combinación, que escrita sobre el papel resulta atractiva, se convierte en aplastante y excitante cuando se reproduce en disco compacto. "Akai Yami" son sólo tres canciones, pero como mandan los cánones del doom, dos de ellas duran 18 y 20 minutos. La pista restante, 'Jyodo', es una pequeña introducción de poco más de 2 minutos de música folclórica ambiental nipona. El segundo tema, homónimo, se abre también de la misma manera, usando elementos tradicionales (percusión, cuerda, voces) de forma pausada y sostenida. Sin embargo, transcurridos cinco minutos, se produce la erupción espontánea de la demoledora percusión, que pronto se adueña del espacio a base de machacar una y otra vez esos permanentes ritmos perturbados. Baste para ilustrar este sonido pesado y machacón el hecho de que en "Akai Yami" suena guitarra, no un bajo sino dos y tres (!) baterías tocando a la vez, además de los desgarrados alaridos vocales. Teniendo esto en mente, uno puede llegar a formarse en la cabeza una ligera idea de la magnitud de tan apabullante despliegue. Por supuesto, dentro de esta pesada masa de sludge/doom es la percusión la que se apodera del rol protagonista, relegando a los demás instrumentos el papel de engrosar más aún el sonido. "Kairai" no difiere demasiado y sigue esa línea de doom desquiciado y tribal, desesperadamente pesado y bizarro. Los cambios de ritmo se suceden de forma continua igual que lo hacían en en la pista anterior, y tanto batería como percusionistas alteran constantemente la estructura, la velocidad y la frecuencia, mientras la voz escupe agónicos alaridos en japonés. Los momentos más densos y pesados se suceden exitosamente con otros de atmósfera más distendida dominados por instrumentos acústicos o incluso por el llanto de un bebé.

En conjunto, "Akai Yami" es extraordinario por varias razones. Por un lado, es enormemente heterogéneo y fluye con asombrosa facilidad. Sus dos pistas son largas pero muy dinámicas y cambiantes, repletas de giros y cambios bruscos de velocidad e intensidad, llevándoles de pasajes repetitivos o pausados a otros caóticos y desquiciados. Virtud que les separa de multitud de bandas doom, frecuentemente espartanas y muy proclives al adormecimiento. Por otra parte, su baza más importante, la fusión coherente y acertada del metal más pesado y denso con rasgos característicos del folclore y la música tradicional japonesa, que añade de forma natural la inclusión de extraños instrumentos autóctonos. En suma, una serie de cualidades que dan como resultado una muy recomendable propuesta musical: pesada y brutal, camaleónica y caótica, y ciertamente novedosa.

Por ahí ya andan calificando a "Akai Yami" como uno de los mejores discos de metal del 2008 y desde luego no andan desencaminados. Por crudeza, salvajismo y originalidad sería justo vencedor de esa imaginaria competición.

myspace

①, ②, ③

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MOUTHUS - THE LONG SALT

2008-07-05T17:43:00.005+02:00

MOUTHUS - The Long Salt (imprec-082)
(Important, 2006)

Que en Nueva York haya una inmensa y subterránea escena musical, un bullicioso hervidero de arriesgadas propuestas que se renueva de tanto en tanto, es el motivo -y la consecuencia lógica- de que aparezcan discos como éste: bizarros, difíciles y a la postre excitantes. El resultado de concentrar en el mismo punto geográfico un puñado de bandas que no tienen remilgos a la hora de llevar la música un paso más allá de donde se encuentra hasta el momento. Formaciones tales como Excepter, Sightings, Black Dice o Gang Gang Dance.
Mouthus, por su parte, son un dúo procedente de Brooklyn y lo forman Nate Nelson (batería) y Brian Sullivan (guitarra). Al parecer, han venido editando multitud de trabajos desde 2002 en diferentes formatos, y han colaborado con gente como Double Leopards, Axolotl, Sunroof!, Cousins Of Reggae o Yellow Swans. Según su propia página web, a día de hoy son ya diez trabajos completos los que figuran en el haber de estos dos alborotadores, eso sin contar los mencionados splits y algún que otro cd-r.

Si no calculo mal, "The Long Salt" es su sexto trabajo, aunque no representa grandes variaciones respecto al resto de su discografía anterior. Lo que encontramos en él no es más que la visión extremadamente personal que Mouthus tienen del rock y que les ha ayudado a forjarse un sonido característico. O lo que es lo mismo, una vuelta de tuerca más a ese avant-noise-rock crudo y peculiar. Siguiendo la estela marcada por Wolf Eyes o Hair Police, Mouthus desfiguran las convenciones del rock, lo deconstruyen y escupen una amalgama incómoda, ruidosa y personal. "Trains Again" es la breve introducción que marca el inicio y también la dinámica del disco, utilizando baterías repetitivas, guitarras difícilmente reconocibles y ruido sacado del chatarrero, empaquetado de manera anárquica y libre. "The Burns Of Them" es una larga sucesión de tableteos, percusión débil, ruidos y voces distorsionadas. Ritmo recurrente que evoluciona en una especie de noise-rock psicodélico y fantasmagórico, a medida que la batería metronómica se hace más y más patente y los alaridos irreconocibles toman mayor protagonismo. Sucede igual en "What Knife Say", donde las voces ininteligibles y desquiciadas se vierten continuamente sobre una atmósfera post-industrial asfixiante: el sonido oscuro de golpes y chirridos, el ruido continuo que parece sacado de un motor viejo y el patrón repetitivo y obsesivo de la batería configuran una pieza oscura y monstruosa.
Sin embargo, en "Ghetto Stairs" -y pese a no alejarse de las coordenadas ruidosas y percusivas- Mouthus se aproximan a su versión más "accesible", recreando lo más parecido a una melodía descacharrada que estos dos son capaces de hacer, y que por supuesto queda casi sepultada por el disonante estruendo de batería, guitarra, ruido y voces.
Finalmente, "WL" cierra "The Long Salt" como una demenciada catarsis del ruido, donde la batería entrecortada y repetitiva va martilleando más y más nuestros oídos, un zumbido se arrastra torpe y asincrónicamente y las de por sí deformadas voces se vuelven (más) desquiciadas e irreconocibles. Un frenesí enloquecido y apoteósico que resume a la perfección el embrutecido tono del álbum. Un álbum sin duda difícil y a veces hasta asfixiante, en parte por los patrones repetitivos y en parte por esa sucia fusión de guitarra, batería y ruido destartalado. Por supuesto, destacar especialmente el peculiar uso que hacen de esas voces aberradas hasta el absurdo, que no hacen más que acrecentar el ambiente lúgubre, decadente y trastornado que de por sí tienen sus canciones.

Seguramente habrá quien vea aquí una tomadura de pelo o no vea por dónde meterle mano. Es la de Mouthus una propuesta extraña y ciertamente inaccesible, y uno tiene que poner de su parte. Cuesta capturar el sentido, pero una vez lo has logrado, escuchar "The Long Salt" resulta una experiencia desafíante que ofrece gran recompensa.

①, ②, ③
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UBEBOET - BLACK AND RED / RED AND BLACK REMIXES

2008-06-29T18:06:00.003+02:00

UBEBOET - Black And Red (lm028)
(Earlabs, 2005)

Miguel Ángel Tolosa es el músico -o artista sonoro- responsable de este proyecto experimental radicado en Madrid, que a estas alturas ya ha producido un buen número de trabajos desde mediados de los 90, tanto en soporte físico (para sellos como Non Visual Objects, Twenty Hertz, Retinascan o Bremsstrahlung) como en formato mp3 (en conocidos netlabels del ámbito experimental como Zeromoon, Earlabs, Test Tube, Sijis o Mirakelmusik).
Además ha colaborado -muy prolíficamente- con artistas como Dale Lloyd, Pablo Reche, Asher, Heribert Friedl, Scott Taylor, Jos Smolders y otros muchos. Por si este curriculum no fuese suficiente para dar sobradas muestras de lo solvente de su trayectoria, Miguel Ángel Tolosa es también el director del genial sello/netlabel Con-v, donde ha editado su ep 'Praeter' en abril de este año (y que también se ha encargado de sacar el reciente 'Untitled #188' de Francisco López).

Para 'Black And Red', Tolosa se centró fundamentalmente en el uso de grabaciones de campo (tomadas en Madrid y Mojácar), unas veces primitivas y sin modificar y otras profundamente procesadas y manipuladas en el estudio. También emplea tomas radiofónicas y giradiscos para configurar este agradable trabajo de música concreta, que debería resultar atractivo al oído y la psique no sólo del aficionado acostumbrado, sino también para el profano. Y es que música concreta y/o fonografía no tendrían por que resultar difíciles o inaccesibles para el oyente de músicas más convencionales. Este disco es otro ejemplo más de tal afirmación.

"Red With Dark Grey" es la pista inicial y ejerce como perfecta introducción haciendo uso solamente de tenues grabaciones de campo sin determinar y reconfiguradas hasta formar capas suaves y sostenidas poseedoras de un envolvente y reposado sonido ambiental, acompañado del discreto crepitar de un tocadiscos, que añade una singular textura a la planicie sonora. "Dark Blue" es la pieza más larga, y se sirve de sonidos procedentes del agua (aguas removidas, oleaje, chapoteos), crudos y sin manipular, así como pisadas y algún otro, que pronto se entremezclan con un manto sonoro que actúa como trasfondo. Pronto aparecen elementos sonoros más "musicales" (por proximidad a algo, por decirlo de algún modo, más cercano al ambient), que aportan la cómoda sensación de amplitud y luminosidad, balanceándose con tranquilidad hasta diluirse poco a poco y desaparecer en el silencio. Probablemente la pieza más accesible y "musical" de todo el disco.

El tono cambia en "A Hole", donde la cadencia y el color del sonido tornan en algo más grave y oscuro, casi lúgubre. Tolosa añade el ruido de objetos variados sobre el moderado pero inflexible zumbido que se prolonga en el tiempo, aunque lo hace hasta perderse en un pequeño hilo sonoro, conformando la cota más minimalista y silenciosa del disco, algo habitual también en muchos trabajos de música concreta. El grave zumbido previo vuelve a retomar su posición original, acompañándose de lo que parece el sonido de lluvia fuertemente procesado y otros más texturados.

Para el tema final y homónimo, Tolosa se reserva las grabaciones procedentes de ambientes relacionados con el hombre, adquiriendo el sonido un matiz más industrializado y menos natural: objetos metálicos, maquinaria, etc. Un ambiente decididamente más frío, tenso, oscuro. Más tarde se escucha la llegada de trenes, su estacionamiento, la apertura y cierre de puertas, su partida desde la estación, el inconfundible chirrido del vagón mordiendo los raíles... Todos ellos ruidos familiares y de origen indisolublemente antrópico, de los que cotidianamente huimos y que aquí se erigen en parte de una amalgama sonora bien construida. Esa acumulación de ruidos, mostrados sobre el discreto y omnipresente drone y el característico chispeo del giradiscos, se sostiene cadenciosamente, de forma casi pacífica, hasta finalmente desvanecerse en un silencio que extrañamente no queríamos que llegara.
Reseñar, finalmente, las virtudes más destacables de este "Black And Red". Una, la consistente en el uso que se hace de las grabaciones de campo, que no son presentadas como meras entidades sonoras extraídas de un cierto ambiente, y posteriormente trasladadas a otro (y por tanto descontextualizadas), sino que se utilizan acertadamente como elementos compositivos dinámicos, válidos per se, ya estén fuertemente manipulados o no. Por otro lado, la capacidad para ensamblar y moldear un conjunto de elementos sonoros no-musicales independientes y convertirlos en un todo coherente y dinámico, con sentido musical de la estructura, y finalmente satisfactorio. Eso es algo que en el campo de la música concreta no siempre se puede decir (no hay nada más anodino e insustancial que un repertorio de grabaciones juntas sin cualidades emergentes). Ubeboet lo consigue sobradamente en "Black And Red".

01. red with dark grey
02. dark blue
03. a hole
04. black and red

PD: Existe también un trabajo posterior, disponible aquí ("Red And Black Remixes"; Zeromoon, 2006), en el que diferentes músicos 'experimentales' son invitados por M.A. Tolosa para que deconstruyan, transformen y re-elaboren las pistas de "Black And Red". Asher, Arturas Bumsteinas, Mathieu Ruhlmann y Dead Letters Spell Out Dead Words son los artistas presentes en dicho álbum y el resultado también merece ser escuchado.

FRANCISCO LÓPEZ - WIND [PATAGONIA]

2008-06-27T20:10:00.002+02:00

FRANCISCO LÓPEZ - Wind [Patagonia] (and/27)
(and/OAR, 2007)

"Wind [Patagonia] ha sido creado desde la misma perspectiva que los trabajos previos La Selva (V2_Archief V228, 1998; en el que había ambientes sonoros procedentes de la selva de Costa Rica) y Buildings [New York] (V2_Archief, V232, 2001; que incluía ambientes sonoros del interior de edificios de la ciudad de Nueva York).

Es material sonoro sin mezclar ni procesar procedente de una ‘realidad’determinada ‘. Una evaluación de la riqueza y las cualidades esenciales de la entidad sonora original. Una intención no referencial. Una inmersión fenomenológica extrema guiada por la anti-racionalidad y contra lo asumible por defecto. Un mundo desprovisto de presencia humana. Pasión por los ‘drones’ y su universo interior; esa perceptible matriz ‘invisible’ de ruidos de amplio espectro que fluye constantemente alrededor nuestra, tanto en la naturaleza como en ambientes antrópicos. Un verdadero desafío de escucha profunda en el que todo oyente ha de confrontarse con su propia libertad y a partir de ahí crear.

En la Patagonia, inmensidad y soledad son moldeadas y reforzadas por la presencia constante del viento. Contrariamente al estereotipo de espacios desérticos e inhóspitos ‘tranquilos’, lo que el viento produce allí –como en otros muchos lugares- es un ambiente imparable de poderío sonoro. El viento es una fuerza invisible, audible la mayor parte del tiempo a través de transductores como vegetación, rocas, arena, nieve o hielo. Esto afecta a la percepción del espacio, distancia, meteorología e incluso a nuestro propio cuerpo. Como material sonoro, parece estar disfrazado de una gran simplicidad y ofrece la ilusión de uniformidad. Es por ello por lo que su riqueza resulta tan increíble y atractiva. Las grabaciones del viento son esencialmente entidades de amplio rango que se reconfiguran a sí mismas en su espectro compositivo y en su dinámica en todo momento, muy a menudo con giros y cambios repentinos que cambian simultáneamente el espacio virtual de la grabación a un ritmo complejo e impredecible. Debido a estas particularidades, y a la falta de características tonales o rítmicas tradicionales, el viento podría ser el desafío último para aquellos que buscan ‘música’ en la naturaleza en el vano intento de encontrar similitudes entre los eventos sonoros naturales y las estructuras fabricadas por el hombre".

Francisco López.

Web
and/OAR

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AHLEUCHATISTAS - THE SAME AND THE OTHER

2008-06-11T17:36:00.002+02:00

AHLEUCHATISTAS - The Same And The Other (tz 8047)
(Tzadik, 2008)

Aunque es ahora cuando alcanza algo de notoriedad, “The Same And The Other” es en realidad el segundo álbum del trío de Carolina del Norte Ahleuchatistas, publicado por vez primera en 2004 por el pequeño sello Noreaster Failed Industries y rescatado ahora del olvido por el sello de John Zorn, donde no desentona pese a su sonido, bastante distanciado de las coordenadas musicales de los artistas que trabajan con Tzadik. Muestra inequívoca ésta del carácter inquieto e inconformista de esta joven banda, incomprensiblemente desconocida por nuestras tierras hasta hace muy poco y que pronto dejará de serlo, a tenor del creciente seguimiento mostrado tiempo atrás por medios como Pitchfork.

Ahleuchatistas (pronúnciese aluchatistas) son Shane Perlowin a la guitarra, Derek Poteat al bajo y Ryan Oslance en la batería, que reemplazó recientemente al baquetista original, con el que habían grabado todos sus discos. Tres instrumentos que se bastan para dar forma a un math-noise-rock crujiente y espasmódico –que inevitablemente recuerda a Hella-, crudo y agresivo, políticamente comprometido y rabiosamente feroz. “Cracked Teeth”, la pista inicial, es el ejemplo más demostrativo y eficaz de todo eso: una breve y cortante introducción que sirve de pistoletazo de salida a una apabullante carrera sin frenos en la que los cambios de ritmo, los frenéticos arranques y las repentinas paradas se suceden cada pocos segundos. Luego aminoran la marcha con el único objetivo de volver a empezar de nuevo en un continuo ir y venir de insospechados e inverosímiles giros rítmicos.

Al margen de la explosiva inmediatez y la agresividad esquizofrénica de sus composiciones, otra característica principal de las canciones de “The Same And The Other” es el uso reiterado y casi omnipresente de la repetición de notas y estructuras como elemento sobre el que vertebrar sus caóticas canciones. “Imperceptibility” comienza siguiendo ese patrón, que es empleado sin reparos una y otra vez, y sólo es interrumpido por abruptos frenazos en seco que nuevamente originan desquiciados estallidos instrumentales. Este uso característico de pasajes repetitivos, acompañados de una bajada en las revoluciones y de esporádicos coqueteos con el free-jazz originan momentos que a veces rozan lo más parecido a una melodía (palpable en “Lee Kyang Hae” o “Shots Rang Out At The Press Conference”, aunque siempre de la mano del espasmo congénito que padecen). “Melodía”, claro, en el universo de Ahleuchatistas, lo cual es bastante sui generis.

Estas encorsetadas pautas compositivas mostradas a lo largo de buena parte del disco serían, en muchos casos, un lastre para la variedad del repertorio de un grupo. En el caso de Ahleuchatistas, esa característica es más una virtud que un defecto, ya que a pesar de presentar todas sus canciones un esquema similar, el resultado global es el de un conjunto sólido y compacto de temas, extenuante y deliciosamente enloquecido. Como ejercicio auditivo es un desafío exigente y casi asfixiante, y eso es algo que los aficionados a experiencias poco convencionales como ésta no deberían dejar pasar. La violencia y complejidad de su propuesta tan sólo debe verse superada con creces cuando se suban a un escenario.

Por lo demás, esta reedición de Tzadik incluye cincos temas adicionales, al parecer extraídos de las mismas sesiones en las que se grabaron el resto de cortes que ya aparecieran en 2004. Gesto de agradecer, aunque ciertamente no alcanzan el nivel del resto del álbum: bastante más largas y también más aburridas. Más proclives a la divagación, menos certeras y en general carentes del ingenio y explosividad del resto del disco. No todo iba a ser perfecto...

myspace
compra: 1,2

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VA - MUS*****C

2008-06-03T19:02:00.002+02:00

VA - Mus*****c (crónica 32~2008)
(Crónica, 2008)

La excelente discográfica portuguesa CRÓNICA ha cumplido recientemente los cinco años de vida, y para celebrar tan fructífera existencia -repleta de fantásticos discos- han tenido la afortunada idea de ampliar los medios de difusión de su arte. Para ello han puesto en marcha un nuevo proyecto, denominado “Unlimited Release Series”, consistente en la publicación de lanzamientos estrictamente en formato digital y disponibles gratuitamente para descargar de su web, bien en formato comprimido de alta calidad o bien sin comprimir.
Y vaya si comienzan a lo grande... El primer volumen es una enorme (en todos los sentidos) recopilación de artistas afines al sello y otros invitados, como siempre relacionados de una u otra forma con la electrónica y la música experimental en su sentido más amplio. En total, más de tres horas de la mejor música seleccionada por parte de gente como Janek Schaefer, Lawrence English, Freiband, Paulo Raposo, Marc Behrens, Vitor Joaquim y muchos más. Obtener más por menos se antoja difícil.

Como consumidores/receptores de este tipo de música, sólo queda aplaudir propuestas tan agradables y abiertas como ésta y disfrutar de cada una de las pistas; y estar atentos, porque el segundo volumen (del portugués Mosaique) ya está también disponible, así como unas cuantas suculentas novedades editadas recientemente en formato físico. Uff...

Más información en Crónica.

Mus*****c (032~2008) [apple losless, 990 Mb]

Mus*****c (032~2008) [mp3 256vbr, 360 Mb]

SIMON WHETHAM - DARK LIGHT AUDIO TRACKS

2008-06-02T20:42:00.002+02:00

SIMON WHETHAM - Dark Lights Audio Tracks (fila16)
(Filament Recordings, 2006)
(Earth Monkey Productions, 2008)

El trabajo de Simon Whetham utilizando grabaciones de campo comienza cuando es invitado a unirse a un grupo de artistas visuales que viajan a Islandia en diciembre de 2005, donde va con la idea de elaborar una pieza que acompañara el trabajo que dichos artistas tenían pensado crear. Allí va recopilando sonidos de caídas de agua, pisadas en la nieve, hielo resquebrajándose, pasarelas de barcos balleneros chirriando y cualquier otra cosa que pudiera inspirarle a la hora de plantear la composición. Sin embargo, las grabaciones por sí mismas eran la banda sonora perfecta: un fiel retrato del sonido de Islandia.

Las piezas ya terminadas fueron editadas como álbum descargable (titulado “Dark Light Audio Tracks”) por el netlabel Filament Recordings en junio de 2006, y reeditadas posteriormente por Earth Monkey Productions junto con un nuevo replanteamiento de esas grabaciones, llamado “A Dark Light – Winter Lights Edition”, disponible también como libre descarga. Estas mismas grabaciones procedentes de Islandia también han sido exhibidas en galerías de la propia Islandia, y en Southampton, Bristol y Manchester en el Reino Unido, y otros trabajos adicionales se han incluido en muestras en Plymouth y Portsmouth.

La segunda composición realizada por Simon Whetham, “Ascension-Suspension”, una pieza compuesta usando grabaciones de teleféricos, fue editada en julio de 2006 por parte del sello Entr'acte, logrando críticas enormemente positivas. Su obra le ha llevado a colaborar con el artista sonoro Scanner en la creación de un trabajo para Night Flight, una performance ideada para exteriores en las colinas de Gales del norte. Ha compuesto la banda sonora para un cortometraje de Phil Toy, ha creado una instalación específica para el Collision Festival en Peckham y más recientemente se unió a un taller en la región amazónica brasileña conducido por Francisco López, siendo su participación sufragada por el Arts Council England. El trabajo resultante de su estancia allí ha generado un considerable interés, habiendo sido presentado ya como instalación en el Hat Factory en Luton e interpretado en el Sprawl de Londres, el Sightsonic Festival (York) y el Unmeasured (Bristol), además de otras instalaciones en el Eden Project and The Living Rainforest y actuaciones para The Rainforest Foundation y los festivales Faster Than Sound, Futuresonic, Collision y Venn.

Simon Whetham - Dark Light Audio Tracks

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TEST TUBE - Collected Works 076 - 124

2008-05-28T19:22:00.002+02:00

VA - Test Tube. Collected Works 076-124 (tubedvd002)
(Test Tube, 2008)

La actividad del netlabel portugués Test Tube parece no tener freno. Durante el pasado año pusieron en circulación la increíble cifra de 44 lanzamientos (a los que habría que sumar algún que otro disco de mezclas) y tuvieron la estupenda idea de recopilar sus primeras 75 referencias en un dvd-r, tan cómodo como imprescindible. Llegando casi a junio del presente año, y pese a las intenciones del sello de reducir la frecuencia en sus publicaciones, el número de trabajos que vieron la luz asciende a 18, y sigue creciendo y diversificándose.
Es buen momento, por tanto, para que esté ya disponible el segundo dvd-r, que esta vez recopila todas sus referencias desde la 76 a la última (que previsiblemente tardará poco en dejar de serlo). Así pues, ni más ni menos que 49 álbumes y más de 35 horas de la música más encantadora, ecléctica, delicada y perturbadora que puedas echarte a los oídos: pop, glitch, minimal, ambient, noise, improv, acústica, rock, drone...
Por lo escuchado hasta ahora, el nivel mostrado es envidiable.

Y como el primer volumen, otra vez tenemos la posibilidad de elegir entre diez preciosas portadas, extraídas de las ilustraciones del biólogo y naturalista alemán Ernst Haeckel (1834-1919) y dedicadas a diez invertebrados marinos. Como siempre, un gusto exquisito, un diseño funcional y un precio ridículo. De nuevo, rabiosamente imprescindible.

Test Tube collected works 76 - 124

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JONO EL GRANDE - FEVERGREENS

2008-05-25T20:33:00.002+02:00

JONO EL GRANDE - Fevergreens (RCD 2031)
(Rune Grammofon, 2003)

El sello noruego Rune Grammofon es, desde hace ya bastantes años, referente ineludible dentro de la música europea para aquellos seguidores de la improvisación, la electrónica ecléctica, el “jazz-noise-rock” de vanguardia y otras músicas avanzadas. Bien conocido por publicar a artistas como Supersilent, Deathprod, Scorch Trio o Alog, también es formidable su función como escaparate para jóvenes y talentosos artistas de la fría pero ebulliciosa escena musical Noruega. Tal es el caso de Jono el Grande (nacido Jon Andreas Håtun), joven artista local, multi-instrumentista autodidacta y performer, altamente influenciado por Frank Zappa y Captain Beefheart, entre otros. Poseedor de cierto reconocimiento en su país y líder y conductor de multitud de formaciones (The Jono El Grande Orchestra, Jono El Grande & The Luxury Orchestra), ‘Fevergreens’ es el primer trabajo que publicó bajo su propio nombre, hace ya cinco años.

Sin embargo no hay en absoluto huellas de amateurismo en este trabajo. Por el contrario, sería lo justo resaltar su seriedad -bien entendida- y sus virtudes. En primer lugar, destaca el enorme despliegue instrumental empleado, con un acompañamiento de orquesta de hasta nueve músicos, dirigidos por El Grande, que además también se encarga de las guitarras, el arpa y los sintetizadores. En segundo lugar, la exquisita composición de las canciones y la capacidad de los intérpretes: difícilmente se puede señalar aquí ni un solo tema flojo. Cada uno está perfectamente rematado hasta el más mínimo detalle, arropados por la siempre acertada presencia de xilófonos, vientos, percusiones y otros tantos.

¿Y qué hay de la música en sí? Pues ni más ni menos que una especie de prog-rock actual con el ojo puesto tres décadas atrás, sumamente encantador y atractivo, con guiños a la música tropical y principalmente a la música de cine, logrando un conjunto hermoso, natural y cohesionado, vivo y en creciente tensión. Una pequeña obra de arte, de la que de veras es difícil no enamorarse, que merecidamente recibió una gran acogida el día de su publicación, lo que le sirvió de justo reclamo. Por tanto, no queda más remedio que estar atentos al próximo disco con The Luxury Orchestra, que debería salir en octubre y que promete ser otra agradable sorpresa. Lo esperamos con los brazos abiertos.

escucha
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CANDY CANE - FAY-RA-DOOWRA

2008-05-15T14:05:00.002+02:00

CANDY CANE - Fay-Ra-Doowra (JUKE 010)
(Jukeboss, 2007)

A veces tropiezas con bandas totalmente anónimas que tras pocas escuchas resultan ser del todo sorprendentes y que a la postre acaban –con suerte y trabajo- convirtiéndose en referentes ineludibles en determinados circuitos musicales, generalmente minoritarios (Kayo Dot, Behold! The Arctopus o Genghis Tron podrían ser buenos ejemplos). Ignoro si Candy Cane, cuarteto procedente de Tampere (Finlandia), tienen lo necesario para convertirse en “banda de culto”, pero lo que está claro es que, después de más de diez años en activo, deberían con toda justicia ser objeto de mayor reconocimiento que del que gozan actualmente. Pese a su extensa carrera musical, no existe apenas información suya en la red, salvo unas pocas reseñas y mini-entrevistas, todo ello en finés. Atendiendo a su discografía, ésta abarca un larga duración anterior (“Leave Me Out”, ’05) y una serie de singles y ep’s editados entre 1998 y 2002, aunque al parecer empezaron de forma más o menos seria en 1995. Además de este ‘Fay-Ra-Doowra’, el año pasado publicaron un split con los también finlandeses Navigations y un Ep de tres cortes disponible gratuitamente en su web. Con todo, da la impresión de que Candy Cane son unos completos extraños para la inmensa mayoría del público, incluido el de su país, lo cual no deja de ser una pequeña injusticia. Y lo cierto es que es una pena que la música de Candy Cane pase inadvertida a los oídos de la audiencia durante más tiempo. De existir algo de justicia, ‘Fay-Ra-Doowra’ debería ser el inmediato responsable de cambiar esa situación.

De influencias más o menos identificables, la potente música de Candy Cane es marciana, circense, vertiginosa o brutal, o lo es todo a la vez sin resultar incomprensible. “Tzufit”, la pista que abre el disco, es buen ejemplo de toda la amalgama estilística que son capaces de desplegar en un solo tema: instrumentos acústicos, vientos, distorsión, velocidad, interludios, melodía, agresividad… La estructura en las canciones de Candy Cane es casi siempre imprevisible y, por lo general, en apariencia bastante anárquica. Por otro lado, canciones como “Lead A Way Off”, “Group Hug” o “Kponyungo” se ajustan a unos parámetros algo más convencionales, al menos en lo que a los cánones de “Fay-Ra-Doowra” se refiere. Por lo demás, el resto del álbum es un enloquecido y esquizofrénico muestrario de marcianadas y excentricidades: “Jardín de Infancia” es un continuo ir y venir de explosivos arranques, parones, chillidos, aullidos e incluso coqueteos con el free jazz. “Marry Me (And Drown)” es pesada, tenebrosa y finalmente desquiciante, muy similar al trabajo de Fantômas. Asimismo, “Giddy” recuerda en un primer momento a unos Faith No More cáusticos y siniestros, para dar paso luego a otro estallido incontrolable, a una suerte de black ambient, a un enigmático pasaje de piano, a casi cualquier cosa…

“Error Humano” deja a un lado la estrambótica mezcolanza para hacer papilla los oídos a base de un hardcore demenciadísimo que hibrida sin tapujos con el grindcore y las voces chillonas/guturales, deudor de Naked City, Fantômas o el grind más sucio. En “Emily” también usan la fórmula de combinar partes hiper-rápidas y distorsionadas con tranquilos interludios, adornados con voces femeninas o medios tiempos bastante enloquecidos (y enloquecedores).

El abanico de elementos (e instrumentos) empleados es tan amplio que enumerarlos todos es una tarea absurda sin que el resultado parezca un pastiche denso y pretencioso para aquel que aún no haya tenido la oportunidad de escuchar un trabajo tan compacto, heterogéneo y acertado como lo es éste. Como punto final, “In Memory Of All Of You”, el tema final de seis minutos, sirve a su vez de extraña síntesis y resumen de lo que es el disco: un fantástico y extenuante recorrido a lo largo de lo más salvaje, desquiciado, teatral, chirriante y devastador que nos dio el pasado año. Sobresaliente.

escucha

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STEFFEN BASHO-JUNGHANS - IN THE MORNING TWILIGHT

2008-05-14T21:04:00.005+02:00

STEFFEN BASHO-JUNGHANS - In The Morning Twilight
Live at Hagateatern. Goteborg, Sweden (25-06-05) (KD007)
(Kning Disk, 2006)

"Live recording by the guitar legend that manages to be both straight-ahead and experimental, a fitting tribute to the scope of influences Junghans has absorbed and extended through his career.
With the exception of “(Excerpt) Waters I-III” which features a 12 string slide, the other five tracks here consist of Junghans on a simple six string acoustic guitar. The longer tracks, like “(Excerpt) from 7 Books” and “Last Days of the Dragons”, are the most interesting, with Junghans expanding delta blues through Henry Flynt/Derek Bailey-esque harmonics and odd changes, creating a centered drone that is moving and cerebral. Of the shorter tracks, “Charlette” has much the same effect.

Like his contemporary James Blackshaw, Junghans is both poetic and gritty, willing to take chances as well as pay homage. This live set does both, in stunning fashion". (Mike Wood, Digitalis)

Steffen Basho-Junghans - In The Morning Twilight (KD007)

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TIGER RAG - MODUS OPERENDI

2008-05-12T20:17:00.001+02:00

TIGER RAG - Modus Operendi
(Candymind, 2006)

01. Never Predictible (4:03)
02. A Different Beauty (2:48)
03. Modus Operendi (1:46)
04. To Take What You Know To Be True (3:06)

Tiger Rag - Modus Operendi [zip]

MySpace

Breve, bonito e hiperbarato!
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DEAD BODY LOVE - LOW-FI POWER CARNAGE

2008-04-20T21:27:00.001+02:00

DEAD BODY LOVE - Low-Fi Power Carnage [cs]
(Old Europa Cafe, 1995)

DEAD BODY LOVE - Low-Fi Power Carnage (reedición) [cd]
(PACrec, Militant Walls, 2007)

En palabras de Sam McKinlay (The Rita), bastante gráficas:

"Reedición en cd de posiblemente el más aplastante y demoledor álbum de harsh noise de todos los tiempos. Originalmente editado en Italia por Old Europa Café en 1995, 'Low-Fi Power Carnage' representó en su momento un ejemplo magnífico del noise importado por parte del maestro italiano del ruido Gabriele Giuliani. En una época en la que el casete era el formato rey y el noise japonés en ocasiones demasiado agudo y pulido –propiciando así que el noise americano explosionara el género de mano de bandas como Skin Crime o Macronympha-, Dead Body Love se encontraba también en hirviente actividad desarrollando la más brutal y ensordecedora de todas las formaciones contemporáneas de harsh noise de aquel momento. 'Low-Fi Power Carnage' es aún hoy un apabullante documento de harsh noise crudo y resquebrajado que a lo largo de sus cuatro pistas te deja como lo harían cuatro puñetazos en la cara. Cada una de ellas es una monstruosidad única, tanto en el planteamiento como en su manipulación. Giuliani tiene una capacidad extraordinaria para investigar el dinamismo existente dentro de la manta rocosa de sonido, a veces separando los diferentes tonos y fuentes mediante técnicas deconstructivas que varían desde los drones estáticos hasta los más brutales y abrasivos. De ese modo, el álbum posee algo atractivo para todos y cada uno de los aficionados al harsh noise, ya que cubre un amplio espectro plagado de áreas de violencia, abstracción e incluso en ocasiones una fuerza conductora pesada y vibrante que trae a la mente a la primera música Industrial (p.ej. Broken Flag).

Estoy orgulloso de haber podido colaborar en esta reedición, y puedo asegurar que éste es mi disco noise preferido y fue definitivamente el culpable de que quisiera hacer del harsh noise un enfoque primordial en mi vida”.

Dead Body Love - Low-Fi Power Carnage (1995)

La brutal versión remasterizada en cd puede adquirirse en Troniks por sólo 10$ -gastos incluidos- y también a través de Militant Walls.

NURSE WITH WOUND - CHANCE MEETING ON A DISSECTING TABLE OF A SEWING MACHINE AND AN UMBRELLA

2008-04-14T20:10:00.001+02:00

NURSE WITH WOUND
Chance Meeting On A Dissecting Table Of A Sewing Machine And An Umbrella [12'']
(United Diaries, 1980)

a1. Two Mock Projections (6:17)
a2. The Six Buttons of Sex Appeal (13:06)
b1. Blank Capsules of Embroidered Cellophane (28:21)

"28 years ago Steven Stapleton was invited to swing by BMS Studios in London late one night by resident engineer Nicky Rogers. Stapleton gathered up friends John Fothergill and Heman Pathak and made some recordings with a few goals in mind: very long tracks and no vocals - they hated songs. With the eye catching infamous artwork a classic was born, pressed in a limited quantity of 500 (probably because there weren't enough fans or enough money to make more). It was actually quite buzzworthy around London and reviews did pop up around town (maybe not the most favorable) but people were interested in the wack cover artwork at least. In retrospect, it's a bunch of sloppy noise made by three drugged-out naive kids who were frustrated doing boring jobs of making signs for example, bringing a ton of noisy toys into the studio. Do I hear a Merlin in here? Loads of wanky guitars color the first side of the Lp while the second side consists of more non-conventional noisemakers and randomness. The beauty is that these guys weren't taking themselves nearly as seriously as modern improvisationalists, there was indeed an element of purity apparent. None of the tracks really end up where they started, and might serve the purpose of being a great soundtrack to a drug-influenced evening. This album provides an excellent reference point, and the newly released repackage has a complete booklet with old photos of the original trio, a restored front and back cover and even a letter from an A&R Rep at Epic Records in NYC asking to hear some more NWW records. (Imagine a world with NWW signed to Epic!) Anyhow if that wasn't enough, the music's been cleaned up from the analogue tapes and there's a bonus 15+ minute track recorded in September with Tibet and Colin Potter. What's a new track doing on an old reissue? In a strange justification it belongs, as the track consists of Tibet reading that famed list of influencors from the original sleeve, over a minimal amount of sound. It's nothing too impressive but mildly amusing and neat to have an archive of (pretty much like the rest of this record). While the new edition is a nice thing to own, if you're not all that concerned with new packaging or a new track, this might not be worth your cash. On the other hand if you never picked it up, there's no better time than the present". Jon Whitney.

Nurse With Wound
Chance Meeting On A Dissecting Table Of A Sewing Machine And An Umbrella

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M.B. - SYMPHONY FOR A GENOCIDE

2008-04-10T22:58:00.002+02:00

M.B. - Symphony For A Genocide (reedición)
(Hospital, w.m.o./r, 2007)

"Long-time coming re-mastered reissue of this legendary side from Maurizio Bianchi, still one of the central industrial/experimental records to come out of the revolutionary underground tumult of the late-70s/early-80s. Originally issued in 1981 on Sterile Records this is a harrowing wake for liberal/humanist notions of humanity in the shadow of the Holocaust, with black tunnels of martial, mechanised analog drone, wailing alarm codes, primitive drum machines and conveyor belt rhythms marching inexorably into the heart of darkness. Alongside the 'TG 24 Hour' box, the 'Broken Flag' set on Vinyl-On-Demand, a buncha the Italian power electronic sides, Nurse With Wound's 'Chance Meeting' and Whitehouse's 'Dedicated To Peter Kurten', this remains one of the truly epoch-defining recordings and it still sounds every bit as disturbing and interrogating as it did the first time you ever encountered it. The moral of this work: The past punishment is the inevitable blindness of the present. "Master work, true industrial". (Dominik Fernow, Prurient/Hospital Productions).

01. Treblinka
02. Auschwitz
03. Maidanek
04. Auschwitz (Reprise)
05. Belzec
06. Chelmno
07. Sobibor
08. Accop (6)
09. Sentimental
10. Anesthesie Total

W.m.o./r
Hospital Productions

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AIDAN BAKER - CONCRETION

2008-04-09T12:13:00.001+02:00

AIDAN BAKER - Concretion
(Angle Rec, 2007)

"Concretion [the act or process of concreting into a mass; coalescence] features 3 long tracks of experimental/ambient guitar & voice. Track 1 starts with backward-looping, murmuring guitar, which 'decays' into something of a choral hymn, which in turn 'decays' into feedback/noise. Track 2 is a looping/deconstructive version of 'The Huron Carol', a traditional 17th Century French-Canadian hymn. Track 3 features a simple guitar pattern slowly building and morphing as the signal loops & decays through a tape echo effect. First net/mp3 offering from the .Angle.REC. camp. Re-release of a now hard, if not impossible to find early milestone in Aidan Baker's prolific output. Originally released as a limited edition Cd-r on the now defunct DTA Records label in 2003 [DTA 012]. Now is your chance to (re)-discover this gem in Aidan Baker's solo material".

Aidan Baker - Concretion [.a.r.01.]

CHEER ACCIDENT en MADRID

2008-04-08T19:00:00.002+02:00

Aunque un poco precipitado (acabo de enterarme), cuelgo esto, que es hoy. El mítico grupo de Chicago en Madrid:

Más información:

Anteojos Booking
Cheer Accident
Reznik

LeeDVD - LENAGJIWITTUJU

2008-04-02T19:15:00.001+02:00

LEEDVD - Lenajgiwittuju
(AudioTong, 2007)

Pese al nombre tan poco sugerente y a ese impronunciable título, decidí prestarle algo de atención a este disco después de leer la promo que el sello polaco AudioTong hace de él. Intuición o pura casualidad, ahora da igual, la sana curiosidad dio sus frutos, pues "Lenajgiwittuju" (!) ha resultado ser un disco grande, cautivador, hipnótico, que te agarra y no te suelta fácilmente, y todo a partir de elementos en teoría sencillos y con una aproximación fría y algo aislacionista. Definitivamente es mejor -y muy saludable- que cada uno juzgue por sí mismo escuchándolo. Tan sólo añadir la descripción del sello y el estupendo video confeccionado para el tema homónimo. Un gustazo.

"AudioTong is happy to introduce LeeDVD, Polish digital songwriter and singer, if only songwriting is a good description for the music on her debut Ep presented here.
Six surreal, obsessive and hypnotic songs. Quirky fables, gloomy and humorous, smashed and squeezed pop, onieric and psychedelic, future songwriting; experimental in the best meaning of the word. From noisy drones to abstract melodies, in a mood reminding somewhat of the surreal territories explored by Andrew Liles' in his solo works. Surprising with the originality of the sound and ideas. Expressive in her introvertiveness. Absolutely astonishing. Unusual. Perfect.

Shall we continue trying to describe this music? Don't think so. Watch the marvelous video for the title track below and download the whole thing from our site".

MySpace

LeeDVD - Lenagjiwittuju [tng1028]

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TAKESHI NAKAMURA - STRANGE ANIMALS

2008-03-22T18:12:00.001+01:00

TAKESHI NAKAMURA - Strange Animals
(Entity, 2007)

"Takeshi Nakamura, who's been making quite the name for himself on various netlabels (Zymogen, Digital Biotope, Play-Code...), can certainly be relied upon should you be looking for avant-garde sonic investigations.
"Strange Animals" is made of curious harmonics that were meticulously assembled through what i would guess are alien Max/msp or Reaktor patches. The tracks' structures are at first hard to identify as most of the rhythms are quite unorthodox, until (in some cases) a more familiar rhythm manages to put ongoing sounds in a new perspective.
Other tracks show an equally glitchy approach to sounddesign and do not fail to present the listener with the most peculiar soundenvironments.
If anything this release is not easy-listening, but the execution of it all is interesting, original and entertaining. I for one will continue to watch mister Nakamura as he steadily continues his path towards glitchmastery". (Entity)

Takeshi Nakamura - Strange Animals

MySpace

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DILLINGER ESCAPE PLAN + POISON THE WELL

2008-03-16T16:47:00.001+01:00

VA - UNDER YOUR INFLUENCE (PUNK HARDCORE COMPILATION)

2008-03-11T19:10:00.001+01:00

VA - Under Your Influence
(Tralla, 1997)

Hace poco rescaté del polvo de las estanterías (y del olvido) este genial álbum recopilatorio elaborado en su día por la discográfica barcelonesa Tralla Records. Debí comprar este disco hace al menos ocho o nueve años por una cantidad insignificante de dinero. Uno de esos “varios artistas” rebajados a un precio ridículamente bajo para quitárselos de encima de una vez por todas. Por aquel entonces no creo que conociera ni a la mitad de las bandas. Es más, seguramente ni me sonaban, pero por entonces aquello era lo de menos. Recuerdo que fue escucharlo por primera vez e inmediatamente sentir la necesidad de investigar acerca de ese sonido y esos grupos que me resultaban tan fascinantes. Discos como éste sirvieron en su día de acicate al que escribe para seguir arañando la superficie y seguir encontrando verdaderas sorpresas paulatinamente. Hoy puedo decir que vaya si las encontré…

Volviendo al disco, decir que hoy día Under Your Influence suena añejo, antiguo y, como es evidente, nada actual. Sin embargo, funciona magníficamente si lo que queremos es mirar al pasado retrospectivamente y enjuiciar el papel fundamental que desempeñaron en la escena musical tanto los sellos como los artistas involucrados.

Fue gracias a la participación de la distribuidora matriz californiana Mordam y del sello Dr. Strange Records que se pudo confeccionar esta impecable lista de nombres. Sellos discográficos míticos, grupos seminales y otros que estarían llamados a serlo un tiempo después, primero en California y luego más allá: Alternative Tentacles, Vermiform, Allied Recordings, Lookout!, el ya mencionado Dr. Strange o Jade Tree. Sellos independientes imprescindibles para el underground californiano y estadounidense que dieron luz en sus orígenes a discos de bandas tan legendarias e influyentes como Dead Kennedys, Government Issue, D.O.A., NoMeansNo, Kid Dynamite, Stalag 13, Butthole Surfers o Citizen’s Arrest, por enumerar tan sólo unas pocas. Y aunque ninguna de esas aparece en el tracklist, sí que hay un buen puñado de formaciones de la generación siguiente –y también alguna coetánea- que con el tiempo adquirirían una relevancia capital. Emblemas del punk-hardcore más sucio (Born Against), pioneros del ‘power-violence’ (Man Is The Bastard), grandes nombres de la burbujeante escena punk-rock (The Freeze, Mr. T Experience, The Bollweevils), exponentes del punk-ska más político (los ingleses Citizen Fish o Skankin’ Pickle) o representantes del hardcore en distintas vertientes (Damnation A.D, Lifetime). En medio, bandas míticas como los legendarios Alice Donut, queercore punks (Tribe 8) o incluso espacio para The Promise Ring, practicantes del mejor emo, estilo por entonces mucho más productivo y menos bobo que el espantajo en que se convertiría después.

Todo eso y mucho más. Así hasta veinte. Podría escribir un párrafo y casi una historieta para cada una. Veinte canciones atemporales de veinte bandas que hace ya mucho que se ganaron un hueco en la historia del punk-rock. Y por tanto también en el recuerdo de un buen puñado de gente, que tuvimos la oportunidad de descubrirlas -en su momento o a posteriori- y hacerlas parte de nuestra historia personal. No es tarde ahora, creo, para redescubrirlas por enésima vez y rememorar de nuevo aquella época tan fructífera –en todos los sentidos- como lo fue la década de los 90.

VA - Under Your Influence

EDWIGE - THE INCONSOLABLE WIDOW THANKS ALL THOSE WHO CONSOLED HER

2008-03-06T17:54:00.001+01:00

EDWIGE - The Inconsolable Widow Thanks All Those Who Consoled Her [cd]
(Segerhuva, 2007)

Le deben el nombre a Edwige Fenech, rotunda actriz italiana de los años 70 que obtuvo gran reconocimiento participando en multitud de comedias eróticas y thrillers. Semidesconocida en España y de físico imponente, es fácil imaginar el porqué de su éxito, si dejamos al margen durante un momento su posible capacidad interpretativa. Este disco reeditado en cd por el sello sueco Segerhuva pasa por ser un tributo a “la reina del cine erótico europeo de todos los tiempos”.

De Edwige como formación ‘musical’ se plantean pocas dudas si tenemos en cuenta la identidad de sus componentes: Keith Brewer (Mania, EEUU; electrónica, voces, metales), Sam McKinlay (The Rita, Canadá; electrónica) y Dan Johansson (Sewer Election, Suecia; electrónica y casetes). Una vez hechas las presentaciones, queda poco espacio para la equivocación en lo que se refiere al contenido estilístico del disco. Electrónica extrema o ruido abrasivo son etiquetas claras y concisas que se adaptan con fidelidad a la propuesta de esta ruidosa unidad.

‘The Inconsolable Widow Thanks All Those Who Consoled Her’ lo forman dos pistas en 34 minutos. O lo que es lo mismo: más de media hora de noise sin descanso, crudo y áspero tal y como se podría esperar. “Anna: The Pleasure The Torment” es una cascada continua de ruido, elaborada a base de chirridos, silbidos y chatarra sonora que ejerce como acompañante del denso y gravísimo manto de ruido erosivo que funciona por debajo y que por momentos parece desaparecer para, poco después, emerger abruptamente de nuevo. Aunque en superficie estática e inamovible, la masa de ruido se mueve discretamente entre unos ceñidos corsés estilísticos, pero en general lo que predomina de forma autoritaria es la densidad, la brutalidad y la continuidad. “Poker In Bed” comienza con una conversación en italiano a modo de introducción. Pronto las palabras van distorsionándose hasta derivar en un ruido agudo y entrecortado, que sólo se interrumpe para dar paso a una agresiva explosión de ruido y chirridos, una violenta corriente de sonido discordante y ciertamente incómodo, aunque sin la desmedida saturación reinante en la primera pista: el flujo de feedback se mantiene continuo y homogéneo, pero la apariencia global no es tan extremadamente grave y pesada como en aquella. Se percibe ruido de metales aquí y allá y otros ruidos sin identificar aunque, como dije antes, los esfuerzos se concentran en mantener una masa gruesa de ruido apabullante y casi inmóvil, pero atractivo. Hacia el minuto once todo se detiene para pasar a escucharse lo que parece una sintonía de radio en forma de canción femenina italiana que hace de contrapunto a la beligerancia sonora de todo lo anterior. Sin embargo, la tensa calma dura poco y durante los cinco últimos minutos vuelve a aparecer el aplastante muro de ruido hostil y apariencia metálica. Definitivamente, nada que no se haya escuchado antes, en realidad. Sin más pretensiones, un sólido disco de harsh-noise impenetrable de manos de tres de los más puristas ruidistas de este momento.

PROTESTANT WORK ETHIC - TURNED, AND TURNING EP

2008-02-25T17:39:00.001+01:00

PROTESTANT WORK ETHIC - Turned, And Turning Ep
(12rec., 2007)

"Protestant Work Ethic is Simon Usaty. Simon is songwriter and one half of KES (alongside Bernard Bauch), eventually Vienna's finest alternative rock -and country- outfit and long-time inside tip (listen to "Nordwaggon" on 12rec.032). According to the name of his solo-project, Simon stripped of every superfluous knick-knack, focussing on a few acoustic instruments and his juvenile voice. But as a Protestant Work Ethic might imply a success-orientated, rather rational concept for life, Simon decided to break with the cultural surplus of his moniker in this point. His work ethic is an emotional one.

In North America, kids grow up with folklore and country-music. And although 99% of the commercial western & country-genre is bullshit, one percent settles seed in bands like Wilco, Califone or the Bright Eyes. Right here, Simon Usaty manages what so little European musicians achieve: authentic, alternative country-music. His voice has a certain moment of failure, still he's an awesome vocalist, on stage and on his recordings. The chords he picks draw influence from folk and blues, the instruments are well chosen: acoustic guitar, banjo next to harmonica, chimes, accordion and bits of percussion. The overall feel of his Ep is melancholy, but every now and then Simon pushes aside the clouds ("Walk the Plank"), at least a bit. Beach Boys-style vocal harmonies ("Weather Side") take turns with introspective instrumentals ("Duba Ktana") and shyly shivering gems of pop-songwriting ("Set Out to Take on"). If you'd like to see Protestant Work Ethic compared with other 12rec. artists, you can imagine Simon's music standing between UK-based Crepusculum and Californian Giraffe.

The "Turned, and Turning Ep" is a destillate from Simon's self titled debut-album released back in 2005. The Cdr-version won't include the outtakes, but you can ask for the whole thing if you dare. Furthermore, look out for the magnificent new KES-longplayer "Tous Les Soirs". We'll keep you posted". (12rec.)

Protestant Work Ethic - Turned, And Turning Ep

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BLUEBRIDGE QUARTET - ADJUSTED FOR LOW NOISE TAPE

2008-02-20T18:40:00.001+01:00

BLUEBRIDGE QUARTET - Adjusted For Low Noise Tape Ep
(Aerotone, 2007)

"Bluebridge Quartet was formed 2004 in Jönköping, Sweden, with the intention to create music for those who had grown tired of the city's current music scene. With time computers were switched to instruments and the influences of trip-hop to the more improvised basics of jazz. Secluded from the musical trends, the members worked for over two years to find the essence of the instrumental music they create today. In the summer of '06 the group's pianist went travelling, which led to a, while looking back, much needed pause. The break made the group find more interest in the swedish climate and a fascination of the grand in the simple grew. Instruments were bought, ideas exchanged and music was created.

"Adjusted For Low Noise Tape" is a live recorded EP which focuses on instrumental playfulness, dynamics and moods. 20 minutes of wanting something different without removing the core of music. Vibrating and organic tunes carried out by the warmth of analog tape recording and instruments". (Aerotone)

Bluebridge Quartet - Adjusted For Low Noise Tape Ep

MySpace

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BOKFINK - KJAPP DEBUT

2008-02-14T12:45:00.001+01:00

BOKFINK - Kjapp Debut
(Melektronikk, 2004)

Dag-Are Haugan (cincuenta por ciento de los increíbles Alog) y Andreas Meland (propietario de Melektronikk y músico ruidista/experimentador) son Bokfink, y "Kjapp Debut" es su segunda referencia para el sello noruego (la primera fue un 7'' de dos canciones), que captura a su vez el primer y breve concierto que dieron en Bergen en 2004. Guitarras, órgano, voces, ordenador y otros dispositivos utilizados para elaborar un sonido intrincado y abstracto, melodioso a veces, crudo, raro, difícil. Son sólo cuatro canciones pero en ellas cabe todo eso y, aunque parezca complicado, todo encaja perfectamente. Un prometedor comienzo que se supone debe ver continuación algún día. Y esperemos que así sea.

Bokfink - Kjapp Debut
pass: engrudo

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BARDOSENETICCUBE - RAIN IN JUNE

2008-02-07T20:02:00.001+01:00

BARDOSENETICCUBE - Rain In June 7'' (dr-59)
(Drone, 2003)

Bardoseneticcube es un dúo ruso formado por Igor Potsukailo y Sergey Matveev, ambos de San Petersburgo. Aunque este Rain In June es el primer disco suyo que ha caído en el reproductor, su discografía abarca un buen número de ediciones -unas cuarenta- desde 1998, tanto en cd como en cd-r y cinta, fundamentalmente en sellos rusos, aunque también del extranjero, como este 7'' del que la prestigiosa discográfica alemana Drone Records sacó tan sólo 250 copias hace unos años.

El disco contiene únicamente dos temas sin título, de siete minutos cada uno, que fueron compuestos utilizando exclusivamente grabaciones de campo, objetos metálicos, un ordenador y algunos sintetizadores analógicos. En términos generales, lo que destaca en el álbum por encima de todo lo demás son unas atmósferas relativamente tranquilas, oníricas, hipnóticas. En el primer tema estas atmósferas casi en calma son más patentes, acompañadas de siseos, suaves chirridos metálicos y oleadas sonoras que van y vienen con diferente intensidad, mientras que por debajo subyace un grave zumbido, discreto aunque permanente. Por medio, voces lejanas, grabaciones de campo (¿sonidos de animales?), esbozos de tenues melodías y los ligeros exabruptos del grave drone que no termina de emanar del vibrante subsuelo.

Por otra parte, el segundo tema carece en parte ese componente "melódico" que se atisba en el primero, para desviarse hacia una dirección algo más oscura y abstracta. Sonidos de ambiente, ruidos metálicos, golpes y objetos rechinando forman un denso entramado, al que pronto se le añaden espaciadamente notas ultra-graves que se arrastran lentas y pesadas una tras otra, superponiéndose de manera casi hipnótica sobre las otras capas de ruidos y sonidos grabados, y que me recuerda en parte al trabajo último de Oren Ambarchi.

Es este segundo tema una composición menos cercana , más surreal si se quiere que la inicial, de disposición más plácida y ambiental, aunque en líneas generales son ambas igualmente disfrutables. No creo que Rain In June representase en su día un acontecimiento relevante en lo que a innovación en la música experimental se refiere, para eso ya están otros, pero tanto el planteamiento musical del disco como su ejecución resultan ciertamente satisfactorios, pese a su brevedad. Definitivamente un trabajo más que notable y motivo de más por el que seguir indagando en la extensa producción de Bardoseneticcube.

Bardoseneticcube - Rain In June 7''
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OS LOOSERS & VALERIO COSI en MADRID

2008-02-01T18:14:00.001+01:00

OS LOOSERS & VALERIO COSI + PIER

Os Loosers son una banda portuguesa que mezclan rock psicodélico, freejazz, ritmos tribales, electrónica... consiguiendo sonidos hipnotizantes y envolventes que hacen de sus conciertos una experiencia sonora única. Han editado innumerables CDs, LPs, CD-Rs, Casetes en sellos underground tan legendarios como Fuck It Tapes (USA), Qbico (Italia), Not Not Fun (USA) y Ruby Red (Portugal). En esta gira vienen acompañados del saxofonista italiano Valerio Cossi. Si te gustan No-Neck Blues Band, Sunburned Hand of the Man, Bardo Pond, Jackie-O Motherfucker, Sun City Girls, This Heat, Skullflower... no puedes perderte este concierto.

Pier son una controvertida banda madrileña cuyo coctel de punk, free-jazz, noise e improvisación a nadie deja indiferente, levantando pasión o animadversión allí por donde toca, puede que sea una de los grupos más incomprendidos en la escena underground española. Hasta la fecha han autoeditado dos Cd-r's: "25 Fragments" (2006) y "Slow Food" (Ep 2007) y for Noise's Sake acaba de editar su nuevo Cd-r "The Bree-Fings Vol. 1". El sonido de pier se encuentra en algún sitio entre freerock, freejazz y freefunk y su música se puede describir como "violentamente desordenada" haciendo de cada concierto un experimento distinto e irrepetible.

Os Loosers & Valerio Cosi + Pier
1 de febrero, Madrid.
El Perro Club (C/Puebla, 15)
6 euros.

www.loosersarefree.com
www.myspace.com/loosersarefree
www.myspace.com/valeriocosi
www.myspace.com/pierband
www.myspace.com/fornoisessake

OTRA VEZ CARSTEN NICOLAI

2008-01-30T20:57:00.002+01:00

ALEPH-1 (CARSTEN NICOLAI) - Aleph-1
(iDEAL Recordings, 2007)

Podríamos decir que 2007 fue el año de Carsten Nicolai (Alva Noto). Y que lo ha sido por dos motivos. El primero y, a fin de cuentas, el que de verdad interesa, es la enorme brillantez de sus trabajos: el excepcional “Xerrox Vol.1” y el libro + dvd “Fades” -ideado para una instalación audio‘visual’ específica-, editados ambos por el sello Raster-Noton, del que además es co-propietario. Además del valor puramente cualitativo de ambos discos, se puede afirmar que la trascendencia de éstos y el reconocimiento internacional obtenido en diversos medios especializados ha catapultado a Nicolai a un cierto status de mayor “prestigio”, por decirlo de alguna forma. No es que fuese un completo desconocido, ni que su producción anterior sea desdeñable, ni tampoco que haya un exagerado contraste entre las características de sus discos pero, por el motivo que sea, sí se aprecia una posición relativamente más visible y, confío en que así sea, una mayor difusión de su trabajo. Ejemplo de ello, bastante significativo, fue la masiva afluencia registrada en la visita de Signal a Madrid (donde Nicolai es una tercera parte), y que dejó a un servidor fuera del concierto con una sensación entre estupor y sorpresa.

Viene todo esto a cuento porque, si lo anterior nos supo a poco, ahora hace exactamente un mes que vio la luz un nuevo álbum de Carsten Nicolai, esta vez bajo un nuevo alias: Aleph-1. Un disco que ya antes de su publicación e inmediatamente después ha generado gran expectación, lo cual resulta perfectamente comprensible atendiendo al tamaño artístico del autor. Esto es lo que tiene que decir el sello sueco iDEAL al respecto:

“(...) ‘Aleph-1’ is electronic music with an acoustic sound aesthetics that was especially developed for the IDEAL Recordings label. The concept of aleph-1 derives from the theories of the mathemtician Georg Cantor, who was teaching in Halle, Germany, a city, to which Nicolai is deeply connected with through his family.

The sound pieces of ‘Aleph-1’ deal with the idea of infinity in terms of structure and length. Without actual beginning or end, they fade in and out. The pieces have a very logically constructed nature of overlapping tracks, which seem to be never the same thus could be extended into infinity. The album consists of eight rhythmic circles, based upon acoustic material, at first sight very minimal but always carrying pulse and melody. Music you can loose yourself in”.

La presentación, como de costumbre, tampoco tiene desperdicio. Por sólo doce euros y medio el cd, y veinte el doble vinilo, creo que merece la pena comprarlo. Además con este tío no hay error posible.

VA - AIRPORT SYMPHONY VIRTUAL TERMINAL

2008-01-24T18:16:00.001+01:00

VA - Airport Symphony Virtual Terminal
(Room40, 2007)

Edición online disponible de forma gratuita como parte del Queensland Music Festival 2007. Los artistas involucrados en este interesante proyecto son Miguel Carvalhais y Pedro Tudela, Andy Futreal, Heribert Friedl, M. Rosner, Mark Trayle, Ninab.It, Akira Kosemura, Tom Hall, Blake Stickland, The Green Kingdom y Skoltz_Kolgen.

Existe además una edición en soporte físico -doble cd- publicada también por el genial sello australiano Room40, cuya nómina de participantes es ciertamente impresionante: Taylor Deupree, Francisco López, Richard Chartier, Tim Hecker, Marc Behrens, Dale Lloyd, Fennesz, Toshiya Tsunoda o Christopher Willits entre muchos otros. Hay información más completa aquí.

"As Alain De Botton suggests in his book ‘The Art Of Travel’, the act of transit between social, cultural and geographic circumstance is far more than mere bodily movement. Language, architecture, food, gesture, landscape and sound all play a part in travel and ultimately contribute to the sensations of excitement, exoticism, disorientation and even fear that occupy the daily life of the traveller.

At points of departure and arrival on these journeys increasingly lies an airport. Like business hotels across the globe, the airport acts as a uniform presence – rotating gates, the clunk of baggage, the vague chatter of tourist and traveller alike and the occasional interruption of muffled announcements. Vast halls echoing with the shifting of bodies intent on exodus and return.

As Socrates wrote, ‘Man must rise above the Earth - to the top of the atmosphere and beyond - for only thus will he fully understand the world in which he lives [sic]’. Indeed, as the choreography of pre-flight checks is conducted following the gentle rock of the plane leaving the air bridge to a soundtrack of gentle pressurised drone and air conditioned hiss, a meditation commences. This moment of consideration is heightened, as the reflected sound of the engines scorching the tarmac surface is vacuumed into the void of open air and as the plane leaves the earth there is (in every traveller no matter how experienced) still a sense of silent awe at the marvels of the physics of flight.

Airport Symphony, commissioned by the Queensland Music Festival and Brisbane Airport Corporation, documents and synthesises the experiences of travel. Each piece represents a personal meditation on aspects of travel in the modern age and suggests ways in which we control, augment and ultimately exists in a time where almost no part of the face of the planet is inaccessible. Each of the pieces features a source recording made in and around Brisbane Airport between March and June 2007 – in a raw form or transformed by processing.

Audio diary entries cataloguing the epic possibilities of flight, aero-passage and human bodies in motion and even at rest.

Lawrence English, June 2007.

All field recordings + photos by Lawrence English.

Special thanks to Brisbane Airport Corporation (especially Jim Carden for his time, efforts and guidance and Colleen Farlow), Queensland Music Festival (especially Paul Grabowski for his vision) and all others who have contributed to this project".

Airport Symphony Virtual Terminal [.zip]

Airport Symphony [cd]
cómpralo

MATHIEU RUHLMANN - THE CALM OF THE SUNS

2008-01-23T18:21:00.001+01:00

MATHIEU RUHLMANN - The Calm Of The Suns
(Entity, 2005)

“The Calm Of The Suns”, segundo disco del artista sonoro canadiense Mathieu Ruhlmann para un sello belga (en este caso para el excelente netlabel Entity, localizado en Gante) y su último larga duración disponible online es, como algunos de sus otros trabajos, una escenificación de determinados entornos concretos, de un panorama post-tecnológico habitado por tan sólo algunas formas de vida supervivientes.

El álbum está formado por siete piezas que uno puede imaginar como diferentes visitas a la misma y sólida construcción, como siete densas visitas levantadas con unos pocos elementos, lo que, bajo determinadas condiciones, resulta sorprendentemente coherente. Ruhlmann construye elaborados paisajes sonoros en calma usando los elementos estrictamente necesarios, dando forma a imágenes de un mundo deshumanizado, mostrando un planeta paralizado, consumido por sí mismo hasta la propia soledad: siete retratos (casi estáticos) de la post-civilización. La pieza que abre el disco y que le da título sirve perfectamente como presentación esclarecedora del universo sonoro de Mathieu Ruhlmann. 'Summerfall' muestra la cara más “humana” de todo el disco, en la cual esboza desde el fondo y tímidamente un conciso y truncado motivo musical procedente de un piano. Quizás ésta sea la más notable presencia de 'vida humana' en el álbum y es uno de los momentos más destacables de este lanzamiento. Conteniendo tensión y esperanza, débiles pulsos y una notable oscuridad, estas siete piezas se diluyen una detrás de otra, sumergiéndonos en un panorama vacío, sólo roto por unos pocos y tímidos elementos orgánicos (tenues clics, un feedback de fondo en 'Brumal' y algunos ligeros y sutiles microelementos). En la tercera composición, 'Hares Honey Blood', Ruhlmann incrementa el suspense y la tensión; aquí los elementos empleados son comunes a las otras piezas, pero el uso de feedback logra una posición destacada en relación al resto. El álbum se cierra con 'Waterglass Anthers', el otro momento cumbre del disco. Es quizás la pieza más orgánica y funciona como una bella salida a la superficie que a la vez representa el final de este excelente trabajo, uno de los mejores lanzamientos publicados por Entity". (Con-v)

Mathieu Ruhlmann - The Calm of the Suns

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ENSEMBLE 0 - PASACAILLE

2008-01-22T18:27:00.001+01:00

ENSEMBLE 0 - Pasacaille
(Idiosyncratic, 2007)

Compuesto por Stéphane Garin y Joël Merah | Interpretado por Sylvain Chauveau (guitarra eléctrica), Maitane Sebastian (violonchelo) y Stéphane Garin (metales, platillos, papel de aluminio, peonza, glockenspiel de juguete)

Grabado y mezclado por Stéphane Krieger, Amanita Studio
Anglet, Francia. Septiembre 2007.

Ensemble 0 - Pasacaille (12:42)

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VA - MANDORLA AUTUMN SOUNDSCAPES

2008-01-21T18:54:00.001+01:00

VA - Mandorla Autumn Soundscapes
(Mandorla, 2007)

Recopilatorio online puesto en circulación por el estupendo netlabel mejicano Mandorla, centrado principalmente en la grabación de campo, los paisajes sonoros y la electroacústica. Su referencia número diez es también el primer volumen de una serie de recopilatorios inspirados en el otoño y ambientados en sus característicos paisajes y peculiaridades.

Participan en esta primera parte: Dale Lloyd, Christopher McFall, Scott Taylor, Mario de Vega, Asher, Kim Cascone, Francisco López, Tô, Manrico Montero, Marcel Türkowsky, Macumbista, Rui Costa, Maile Colbert, Phil Thomson, GoGoo, Dallas Simpson, Sebastien Roux y Akira Rabelais

Mandorla Autumn Soundscapes
(mandorla netlabel 010)
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BOSQUES DE MI MENTE - TRENES DE JUGUETE

2008-01-15T10:57:00.001+01:00

BOSQUES DE MI MENTE - Trenes de Juguete
(CRLM Office, 2007)

"Bosques de mi Mente es mi proyecto en solitario, nacido a mediados de 2007. Para mí es un medio de explorar conceptos como minimalismo, clímax, repetición, atmósfera, tiempo, silencio, éxtasis, ruido, músique concrète y tantos otros...

La música es arte, una expresión subjetiva de la realidad, y como tal enriquece a aquellos que la escuchan, por eso creo que toda expresión artística debería estar al alcance de todos y ser libre. Mi música está bajo licencias Creative Commons que permiten distribuir, copiar y difundir mi obra de manera gratuita". (Nacho, Bosques de mi Mente).

"La nueva referencia que presentamos viene firmada por Bosques de mi Mente. El disco, denominado 'Trenes de Juguete', evoca recuerdos de la infancia de Nacho, el autor de todos los cortes. Una forma de conservar tales recuerdos ha sido componer estas canciones y tratar de dar vida a imágenes que quedaban en su mente. Imágenes como las que son capaces de crear estas doce canciones. El piano es el protagonista de este disco, junto con ambientes grises, voces en off y algunos elementos espaciales que invitan a la relajación en una tarde lluviosa de invierno". (CRLM Office)

Bosques de mi Mente - Trenes de Juguete

ADIÓS 2007. BIENVENIDO 2008

2008-01-06T21:00:00.001+01:00

2007 acabó hace poco más de una semana y, retrospectivamente, el sabor de boca que deja es el de un año verdaderamente fructífero en lo que a buenos discos se refiere. En realidad, tan fructífero como casi cualquier otro, por más que algunas voces "alarmistas" -casi siempre poco autorizadas- se empeñen en profetizar la llegada del apocalipsis en forma de desaparición de la música.

Dicho sea de paso, sería hasta saludable que ciertas clases de música desapareciesen, y con ellas otro puñado de prácticas habituales asociadas a eso que desde medios e instituciones llaman industria musical. Quizás estaría bien recordar que la música es arte y no industria y, como tal, nunca desaparecerá. Buena muestra de ello es la extraordinaria cosecha de álbumes que hemos podido disfrutar este año que nos deja. En el reproductor del que esto escribe, los discos listados abajo fueron -sin orden de preferencia- los que más y mejor sonaron:

HIGH ON FIRE
Death Is This Communion
(Relapse)

GRAILS
Burning Off Impurities
(Temporary Residence)

OF MONTREAL
Hissing Fauna, Are You The Destroyer?
(Polyvinyl)

EARTH
Hibernaculum
(Southern Lord)

AGAINST ME!
New Wave
(Sire)

BATTLES
Mirrored

(Warp)

POLYSICS
Karate House
(Kioon)

VV.AA

No Skull Left Unturned
(Hear More!, 200Mg)

SUNN O))) & BORIS
Altar
(Southern Lord)

CLOUDLAND CANYON & LICHENS
Exterminating Angel
(Holy Mountain)

MARHAUG | ASHEIM
Grand Mutation
(Touch)

RAFAEL ANTON IRISARRI
Daydreaming

(Miasmah)

VAPAA
Hum Hum Hum
(Last Visible Dog)

ARVE HENRIKSEN
Strjon

(Rune Grammofon)

SIGNAL

Robotron

(Raster-Noton)

VV.AA

AM500 Boxset

(American Tapes)

PIG DESTROYER
Phantom Limb
(Relapse)

STRIBORG
Nefaria / A Tragic Journey Towards The Light

(Southern Lord)

XASTHUR
Defective Epitaph
(Daymare, Hydra Head)

ENVENOMIST
Beholder

(Chondritic Sound)

THE CARETAKER
Deleted Scenes / Forgotten Dreams
(WéMè, V/Vm Test)

MURCOF

Cosmos
(Leaf)

NIC BOMMARITO

Taciturn
(12rec.)

THE GO! TEAM
Proof Of Youth

(SubPop)

DEERHOOF
Friend Opportunity
(Kill Rock Stars)

UNSANE

Visqueen
(Relapse)

DOWN
Over The Under
(Roadrunner)

MERZBOW vs. NORDVARGR
Partikel II
(Cold Spring)

LASSE MARHAUG
The Great Silence
(Troniks)

CoH
Strings

(Raster-Noton)

VV.AA
Live Dvd Atak Night 3
(Atak)

COLLEEN
Les Ondes Silencieuses

(Leaf)

GIUSEPPE IELASI
August
(12k)

ALVA NOTO
Xerrox Vol.1

(Raster-Noton)

KAMMERFLIMMER
KOLLEKTIEF
Jinx
(Staubgold)

SUSANNA

Sonata Mix Dwarf Cosmos
(Rune Grammofon)

SINIKKA LANGELAND
Starflowers
(ECM)

FRANK BRETSCHNEIDER
Rhythm
(Raster-Noton)

SUNN O)))
Oracle
(Southern Lord)

ORTHODOX
Amanecer en Puerta Oscura

(Alone, Southern Lord)

WOLVES IN THE THRONE ROOM
Two Hunters
(Southern Lord)

JOHN ZORN
Six Litanies For Heliogabalus

(Tzadik)

ANAT FORT
A Long Story
(ECM)

7000 DYING RATS
Season In Hell

(Hewhocorrupts Inc.)

KNURL
Vermifuge
(Troniks)

FENNESZ & SAKAMOTO
Cendre

(Touch)

JODI CAVE
For Myria
(12k)

SUPERSILENT

8
(Rune Grammofon)

PSYOPUS
Our Puzzling Encounters
Considered
(Metal Blade)

TIGER ARMY
Music From Regions Beyond
(Hellcat)

EXODUS
The Atrocity Exhibition...
Exhibit A
(Nuclear Blast)

SUTCLIFFE JUGEND
This Is The Truth
(Ground Fault, Hospital)

OPSVIK & JENNINGS
Commuter Anthems
(Rune Grammofon)

STARS OF THE LID
And Their Refinement
Of The Decline
(Kranky)

ANDREW BIRD
Armchair Apocrypha
(Fat Possum)

ARP
In Light

(Smalltown Supersound)

TAYLOR DEUPREE
& CRISTOPHER WILLITS
Listening Garden
(Line)

ABORTED
Slaughter & Apparatus,
A Methodical Overture
(Century Media)

DARKEST HOUR
Deliver Us
(Victory)

BJ BILSEN

The Short Night

(Touch)

JGRZINICH
Rudiment Of Two
(Edition Sonoro)

CEPHALIC CARNAGE

Xenosapien

(Relapse)

VV.AA

Yasujiro Ozu Hitokomakura

(and/OAR)

OREN AMBARCHI
In The Pendulum's Embrace
(Touch)

ALABAMA THUNDERPUSSY

Open Fire
(Relapse)

FIELD RECORDINGS: VA - FAR AFIELD

2008-01-05T21:00:00.001+01:00

VA - Far Afield: A Webbed Hand Compilation
(Webbed Hand, 2005)

Somewhere in the spectrum between Musique Concrete and Phonography, is a vast gray area that is disowned and disputed by either side. This compilation treats this no-man’s land as its playground. Field recordings they are, with some processing, but not just walls of rhythmic noise. Sounds of nature, sounds of the city, using the non-instrumental rhythms and melodies of the source recording as the focal points, coaxing the music and beauty out of unplanned, un-orchestrated events. This 2-CD compilation was curated by Fred Yarm.

Curator's Statement:

"The idea behind this compilation was to challenge phonographers and musicians to find a middle ground between their two crafts by sculpting field recordings into creative compositions without using traditional instrumentation (unless captured in the field). The terms passive to describe the phonographer’s process of capturing sound and active to describe the composer’s process were used; however, this sparked a great debate over how passive the phonographer’s craft is. In reality, phonography can be quite active in the choices of location and timing of the recordings, the placement and movement of the microphones, etc. However, in relative terms, the phonographer’s product is rarely as ordered as a musician’s composition and a composer’s product utilizes sounds that are generated for his or her specific purpose. This compilation allotted the artists the opportunity to find a middle ground in the realm of musique concrete.

The results that I received were astounding. The tracks represent everything from highly composed tracks telling stories or capturing the essence of far away locales to straight field recordings that the artist felt did not need any processing to demonstrate the beauty of the situation. Cracking ice on a lake, cicada songs, rusty gates, dripping water, moving trains, and a handful of other captured sounds provided the instrumental palettes for these compositions. Many thanks are to be given to the artists who accepted this challenge to coax such delightful music and beauty out of unplanned and un-orchestrated events. Their work far exceeded my expectations on many levels. In addition, I would like to thank C.P. McDill of Webbed Hand Records for his encouragement to initiate this compilation and for his efforts to see Far Afield
into fruition". Frederic Yarm.

Disc 1:

A01. Quiet American - Khulna Station (for Andrew Raffo Dewar)
A02. Erick Gallun - Open Field Decay
A03. Lyndsey Cockwell - DWP
A04. Don Bosco - Watching
A05. Doug Haire - The Hand Off
A06. John Hanes - Tuscan Gate
A07. o.m.s. - n.m.a - format2002edit04m
A08. Carlo Giordani - Valle Rossa
A09. John Roach - The Two Shades
A10. Christopher Fleeger - Painting
A11. Direwires - Dayslumber via the Train
A12. devslashnull - Von Roll Grate System Test: 1984
A13. Raphael Lyon - Virginia Beach
A14. Scott Smallwood - Basement Well
A15. The Outsider - Aurora Storm
A16. Angus Carlyle - The Sea Swells Again

Disc 2:

B01. Carlos Santos - Crossing Point
B02. Pete Stollery - Banchory Ears
B03. Giuseppe Rapisarda - Dalla Finestra
B04. HarS - SportNational
B05. Uveaele - Lava d’Or
B06. Aaron Lewis - Long Pond 2/1 10am
B07. Steve Bradley - SO2 Emission
B08. Robert Horton - Insect Trust
B09. Eric Bollman - 14th Street
B10. Davide Morelli - Foto.01
B11. Thanos Chrysakis - Afar…Sounds Begin to Ooze
B12. Martiensgohome - White Chapel Moose
B13. Ambrose Pottie - Chainwash 16
B14. Seht - Death in Strip-mall
B15. Archive - Imprint
B16. Fred Yarm - Downspout Gamelon

Far Afield: A Webbed Hand Compilation

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VA - LIVE DVD ATAK NIGHT 3

2007-12-29T19:37:00.001+01:00

VA - Atak011 - Live DVD Atak Night 3: Pan Sonic, Keiichiro Shibuya, Goem, Evala & Keiji Haino
(Atak, 2007)

ATAK Night 3 (at Unit, Tokyo, February 23, 2007)
Film direction and editing by Yoshiro Osaka and Keiichiro Shibuya.

Live performance:
Pan Sonic
Keiichiro Shibuya
Keiji Haino
Goem
Evala

Live Visuals:
Exonemo

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"Four Walls" secret gig (at SuperDeluxe, Tokyo, February 25, 2007)
Film direction and editing by Keiichiro Shibuya

Live performance
Ilpo Väisänen and Keiichiro Shibuya
Freiband solo
Freiband and Evala
Mika Vainio solo
Keiji Haino solo
Mika Vainio, Ilpo Väisänen, and Keiji Haino
Mika Vainio, Ilpo Väisänen, Keiji Haino, and Keiichiro Shibuya
Mika Vainio, Ilpo Väisänen, Keiji Haino, Keiichiro Shibuya, Freiband, and Evala

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Produced by Keiichiro Shibuya.
Project direction by Maria.
Technical direction by Evala.
Cinematography by Yoshiro Osaka.
Film encoding and authoring by Akihiro Omura.
Live recording and sound mastering by Kimken.
Sound mixing by Evala and Keiichiro Shibuya.
Graphic design by Ryoji Tanaka.
Includes liner notes by Atsushi Sasaki in Japanese and English (translation by Akira Kuroda).

Released in October 2007.

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Atak
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ENVENOMIST

2007-12-26T21:46:00.001+01:00

ENVENOMIST - Feral Towers [7''] (BloodLust!, 2006)
ENVENOMIST - Delving Glacial [cd-r] (Gameboy, 2006)
ENVENOMIST - Beholder [cd-r] (Chondritic Sound, 2007)

Envenomist es David Reed, de Columbus (EEUU). Detrás también del oscuro proyecto dark-industrial-noise Luasa Raelon y de Brittle Foundries, e integrante de varias formaciones de free-jazz y música improvisada. Últimamente ha editado también discos bajo su propio nombre. Además es responsable del recomendable sello Snip-Snip, que edita referencias en Cd-r de gente tan apetecible como The Rita, Goat, Maim o PCRV, además de publicar algunos de sus propios proyectos en cd a un precio bastante asequible. En su web hay una lista detallada de todas sus ediciones hasta el momento.

Además de mantener una producción abundante y de calidad con Luasa Raelon, Reed ha sacado tiempo últimamente para ofrecer también un puñado de trabajos con Envenomist. En ellos, Reed se distancia del sonido característico de Luasa Raelon, áspero, oscuro y corrosivo, para ejercitar una identidad paralela, alejada del exabrupto noise y mucho más cercana al dark-ambient.

Buen ejemplo de dicha aproximación es ‘Delving Glacial’ -trabajo que no habría desentonado en absoluto como parte del sello ambient Glacial Movements- compuesto por tres pistas cuyos títulos (“Glaciated Landscapes”, “Delving” y “Permafrost”) son lo bastante explícitos como para dejar entrever lo que se esconde tras ellos: un continuo flujo de densos y gélidos drones, inamovibles y muy espaciados, cuyas graves vibraciones serían capaces de hacer deslizarse a un glaciar, y que van provocando una sensación de lenta desolación. En “Delving”, cercana al ambient-noise, la tormenta sonora reverbera continuamente, aunque se arrastra igualmente agónica y parsimoniosa como el más riguroso de los vientos polares. “Permafrost” es el fiel reflejo de un ambiente glacial devastado por fuerzas que operan lenta pero inexorablemente para dar forma a escenarios estériles, yermos y helados, como la música inclemente contenida en ‘Delving Glacial’.

‘Feral Towers’, vinilo 7’’ de dos temas (editado por Bloodlust!), remite a partes iguales tanto a la música industrial de los 80 como al ambient menos luminoso, a través de vibrantes oleadas de sonido tenso y oscuro que aparecen y se disipan continuamente, desarrollándose de forma espaciada, lúgubre y siempre inquietante. De composición más minimalista, el resultado es igualmente frío, remoto y tétrico.

‘Beholder’, el más reciente de los tres (publicado en marzo de este año), es también un breve -18 min.- pero desolador ejercicicio de sonido siniestro e inquietante, y en mi opinión el mejor resuelto. A través de tres pistas, David Reed desarrolla un ambiente profundo y enigmático a base de ráfagas de sintetizador de aire misterioso, acompañadas de pequeños zumbidos. El sonido general, aunque algo estático, es siempre oscuro e intrigante, aunque por momentos goza de una mayor tranquilidad y majestuosidad que le concede una cara más plácida e introspectiva. Poco después, sin embargo, el ambient más reposado se difumina nuevamente para dar paso a una pista final similar en la ejecución, pero de enfoque mucho más tenebroso, frío y cortante que su predecesora. ‘Beholder’ es uno de los trabajos más solventes y redondos de Reed bajo su alias Envenomist, uno más que sumar a su cada vez más abultada discografía, a la que ya hay que sumar el Lp ‘Chariots’ y dos casetes: ‘Weighted Ghost’ editado en su propio sello y un split con Pulse Emitter, los cuales no he tardado en ageciarme y que a buen seguro serán tan satisfactorios como estos anteriores.

Más información puede encontrarse aquí:

Gameboy
Segerhuva
Self Abuse Records
Black Horizons
Chondritic Sound
BloodLust!

KRILL.MINIMA - URLAUB AUF BALKONIEN

2007-12-24T17:56:00.001+01:00

KRILL.MINIMA - Urlaub Auf Balkonien
(Thinner, 2007)

"Ya sea como Marsen Jules, componiendo hermosa música ambient-orquestal mediante fragmentos de sonido cuidadosamente sampleados, o como Krill.Minima creando cálidos y exóticos pasajes sonoros a partir de originales combinaciones de ambient, electrónica y dub, Martin Juhls es el artista alemán que se encuentra detrás de estos dos sobrenombres bien conocidos y sus conmovedores y atractivos sonidos atmosféricos. “Urlaub Auf Balkonien” es lo más reciente que ha publicado Martin bajo el apodo de Krill.Minima y su segundo álbum virtual en Thinner bajo esta apariencia.

Hace cuatro años ya desde que Krill.Minima hiciera su debut en una netlabel –Thinner- con el disco “Zwischen Zwei Und Einer Sekunde”, que sorprendió a audiencia y crítica con su personal e inimitable mejunje de influencias dub y ambient. Subtitulado apropiadamente como “Exotic Warm Ambient Dub”, el disco abrió un nuevo corredor de sonidos para aquellos oyentes que gustaban de variaciones más inusuales y/o experimentales en la música electrónica. Otros álbumes virtuales de Krill.Minima salieron en los netlabels Stadtgruen y Miasmah a la vez que vieron la luz discos físicos en sellos como Genesungswerk y Microcosm Music, por no mencionar numerosas remezclas y apariciones en compilaciones de diferentes sellos.

En “Urlaub Auf Balkonien”, Krill.Minima presenta nueve composiciones meditativas de ambient-dub flotante y suspensivo en su forma más refinada: melodías elegíacas, acordes reverberantes, tranquilas líneas de bajo, cálidos siseos de vinilos y magníficos y suaves beats. En Alemania, 'Urlaub Auf Balkonien' es un modismo que alude al hecho de pasar las vacaciones en casa, y la temática del disco se centra en el placer de disfrutar de los relajantes días estivales de Alemania. No obstante, “Urlaub Auf Balkonien” va más allá del localismo y el ethos, cobrando una relevancia más universal, reflejando en su sonido una variada, sensual e introspectiva selección de imágenes, sentimientos y estados de ánimo propios del verano. Mientras escuchas estas canciones, se hace evidente una dosis de sensación melancólica. Apareciendo y desvaneciéndose una y otra vez, esta melancolía es emblemática del estado de depresión que surge al acercarse el verano y la mente busca un respiro de la aburrida rutina de la vida cotidiana. Sin embargo, infiltrada más profundamente en la estructura de las canciones subyace una atmósfera de satisfacción mucho más patente. El humor vacacional se manifiesta por sí mismo sin esfuerzo alguno, de igual modo que los relajantes sonidos que redirigen la mente lejos de lo banal hacia pensamientos de despreocupación, días soleados y suaves noches de verano". Thinner.

Krill.Minima - Urlaub Auf Balkonien
(54:42 - 74 Mb)

ROBERT HENKE en MADRID

2007-12-20T17:40:00.001+01:00

ROBERT HENKE (MONOLAKE)

Layering Buddha

En 1995, Robert Henke publicó como Monolake su ya mítico primer disco, Cyan, en el también legendario sello Chain Reaction. Desde entonces, este productor alemán ha desarrollado un estilo que revoluciona el lenguaje de la música techno desde la sobriedad y la innovación, acercándose a sonidos exploratorios, fundamentalmente desde su propia discográfica, Imbalance.

La FM3 Buddha Machine es un pequeño reproductor lo-fi creado por los artistas Christiaan Virant y Zhang Jian, cuyos nueve loops pregrabados no pueden ser modificados por los usuarios. Debido a imperfecciones de fabricación, los loops son reproducidos por cada aparato con pequeñas variaciones respecto a los demás. El sonido que emiten cuando varios de estos aparatos suenan a la vez es rico, de texturas espaciosas y ecos modulantes. En Layering Buddha, una pieza multi-canal, Robert Henke juega a crear un nuevo circuito eterno a través de esos loops originales y otros creados a partir de ellos, descubriendo detalles antes inaudibles, estructuras en constante cambio que podrían sonar eternamente, como las piezas de la FM3 Buddha Machine.

Viernes 21 y Sábado 22 de diciembre.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Auditorio 400 (Ronda de Atocha s/n)
20:00 h. Entrada gratuita.

MASTERS OF THE UNGENTLEMANLY ART - PALLBEARERS OF THE SARDONIC

2007-12-16T13:50:00.001+01:00

MASTERS OF THE UNGENTLEMANLY ART
Pallbearers Of The Sardonic
(ZH27, 2000)

Detrás de este extravagante nombre (que podríamos traducir por algo así como "maestros del arte poco caballeroso") se encuentra un peculiar proyecto grupal encabezado por el inquieto Zan Hoffman y que, según su myspace, lleva en activo desde 1985. Los trabajos de Masters Of The Ungentlemanly Arts consisten básicamente en colaboraciones suyas con otros muchos artistas experimentales de todo el mundo, siendo la lista interminable. Cubriendo un abanico estilístico bastante amplio -con resultados más o menos acertados-, algunos de estos trabajos están disponibles para descargar gratuitamente en su propia web, y el resto pueden comprarse. Por supuesto, algunos merecen mucho la pena.

"Pallbearers Of The Sardonic" es una contribución conjunta de los siguientes artistas: Jorge Castro (Puerto Rico), Kazuhiro Ohtsuka (Japón), Witcyst (Nueva Zelanda) y Zan Hoffman (EEUU).

Masters Of The Ungentlemanly Art - Pallbearers Of The Sardonic

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CON-DOM - ROME SONGS

2007-12-11T20:59:00.001+01:00

CON-DOM - Rome Songs [10'']
(Old Europa Cafe, 1998)

Con-Dom es el proyecto de power-electronics encabezado por Mike Dando, cuyo origen tiene lugar durante agosto de 1983 en el Reino Unido. Célebre por su intensidad, aspereza y brutalidad, Con-Dom se vale del sonido, la palabra y todo tipo de imágenes en la composición de sus aplastantes muros de ruido. El nombre de Con-Dom es la forma abreviada de ‘Control-Domination’, la temática principal a lo largo de toda su discografía. Es decir, cualquier aspecto relacionado con el control, dominación y manipulación, ya sean éstos por motivos políticos, raciales, religiosos o alentados desde los mass-media. Todos ellos son tratados de un modo u otro desde una sarcástica perspectiva, violenta e intransigente. Por otro lado, sus devastadores asaltos en directo han tenido lugar a lo largo de su existencia en una gran variedad de ubicaciones poco usuales, tales como viviendas de protección oficial o criptas de iglesias, circunstancia a la que Mike Dando se ha referido como una forma de alejar sus actuaciones de las fronteras de las escenas de música, arte y teatro convencionales. A lo largo de su extensa carrera, Con-Dom ha colaborado frecuentemente con otras formaciones de power-electronics, industrial y noise, siendo The Grey Wolves una de las más habituales, tanto en directo como en estudio.

En “Rome Songs”, publicado hace ya casi diez años como vinilo de diez pulgadas, tenemos un demoledor ejemplo –otro más- del terrorismo sonoro del que Con-Dom es practicante. Tres temas (19') de ruido persistente, demenciado y angustioso. ‘Rome Songs’ abre el disco y lo hace de forma aplastante desde el inicio: una muralla de ruido abrasivo, rugoso y sin fisuras que se va arrastrando como una masa monstruosa de sonido estático e infranqueable, acompañado siempre de chirridos y silbidos estridentes que añaden más discordancia a la de por sí brutal marabunta sonora. Vendaval que por supuesto está salpicado aquí y allá por las desgarradas voces de Dando, que escupe sus ininteligibles alaridos mientras la furiosa bola de distorsión contenida amaga una y otra vez con estallar definitivamente.
En ‘Pro-Judas’, un remoto zumbido inicial va cobrando forma y tamaño progresivamente, hasta desembocar en un espantoso bucle, áspero y desproporcionadamente grave, que sirve de horrible pasaporte a las enloquecidas proclamas vocales. La tortura se alarga repetitiva y contundentemente hasta los cuatro minutos, retumbando salvajemente y retroalimentando su desmedida densidad. Un verdadero martillazo en los tímpanos que deja no poco trastorno al que se presta a escuchar. Por si eso fuera poco, ‘Papal Bull’, la traca final, se extiende agónicamente durante más de ocho minutos a base de pautas ruidosas entrecortadas y pulsátiles. Un bombeo continuo de pesados 'latidos' que, aumentando poco a poco en saturación, potencia y gravedad, terminan por conformar una ruidosa maraña tupida de considerable aspereza, ruda y vibrante, que una vez más ejerce de escenario para los discursos vocales, esta vez de forma más nítida. Un conglomerado violento de ruido, pulsos y gritos que se va difuminando hasta persistir casi exclusivamente como una manta de distorsión, siempre al servicio de las arengas vocales.
"Rome Songs" es una aberración sonora imperturbable, repetitiva, fría y deshumanizada. Una maquinaria brutal al servicio del manifiesto ideológico de Dando. En definitiva, la representación sonora –cruda, desagradable y molesta- de nuestra realidad más execrable. Un horrendo retrato de las miserias del ser humano.

Con-Dom - Rome Songs
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'ENGRUDO' CUMPLE 1 AÑO!

2007-12-07T13:42:00.001+01:00

Hoy hace exactamente un año que nació Engrudo. Una discusión trivial sobre música me motivó a empezarlo, más como un medio rápido y sencillo para recomendar discos a los amigos más cercanos que como cualquier otra cosa. A día de hoy seguro que tanto ese amigo que me sirvió de acicate como los demás han dejado de leerlo, pero ya se sabe que donde hay confianza…

Aunque este minúsculo blog nació con esas humildes pretensiones, poco después se fue convirtiendo paulatinamente en una mera plataforma de difusión más, o al menos es lo que el que escribe habría deseado. Uno de los muchos lugares ya existentes en la web donde promocionar y publicitar en la medida de sus mínimas posibilidades discos de artistas más o menos desconocidos que publican su trabajo fundamentalmente en netlabels. Una vía de publicación tan interesante como la tradicional pero con muchísimos menos medios. A saber: blogs y páginas web exclusivamente. De ahí que haya dedicado una especial atención a este tipo de discos, esperando que sirva como un granito de arena más. Si he conseguido llegar a un par de personas y logrado que escuchen a estos extraordinarios artistas ya es mucho más de lo que habría imaginado.

Y lo último, pero no menos importante. Mandar un saludo y un agradecimiento a todos aquellos –pocos- que leéis periódicamente. Es realmente enriquecedor haber “conocido” a algunas personas a través de sus textos, sus aportaciones y sus gustos musicales. Una de las cosas más reconfortantes de escribir este blog es el ‘feedback’ que se crea de forma involuntaria gracias a todos los que escriben por amor al arte. Un auténtico placer, y que siga.

SHINJUKU THIEF - THE SCRIBBLER

2007-12-06T21:07:00.001+01:00

SHINJUKU THIEF - The Scribbler
(Cold Spring, 2007)

He estado escuchando este disco intermitentemente durante por lo menos las tres últimas semanas y, aunque tenía pensado escribir una pequeña reseña aquí, lo había dejado un poco olvidado a causa de otros menesteres. Uno de los muchos inconvenientes de la falta de tiempo: dejar de lado las cosas de las que más disfrutas. De modo que sería una pena que este excepcional disco pasara inadvertido para el público -confío en que no sea así, al menos para los que leen estas líneas habitualmente- así que he decidido poner aquí una buena reseña que encontré de él escrita en castellano. No es mía pero cumple a la perfección su objetivo: despertar el interés por este magnífico álbum. Leedla, pero sobre todo conseguid el disco y escuchadlo como sea. Merece la pena.

"Ilimitadas atmósferas y sorprendentes conjunciones de sonidos con melódicas composiciones de piano se desarrollan durante las catorce canciones que dan forma a "The Scribbler", el que fuera segundo trabajo de los australianos Shinjuku Thief, que ahora vuelve a los catálogos gracias a Cold Spring Records.

Un disco que presente una gran calidad y que, para colmo, su edición sea limitada, siempre resulta difícil de conseguir. Un buen ejemplo de este esquema lo tenemos en "The Scribbler", originalmente editado en 1992 por el sello Dorobo, propiedad de Darrin Verhagen -uno de sus componentes-, y que cesó su andadura en el año 2004. Este cd presentó una mínima tirada limitada a tan sólo 500 ejemplares, que son muy pocas copias para la tremenda profesionalidad que emana este trabajo.

En él se entremezclan todo tipo de composiciones que hacen mantener el interés hasta el último segundo. La mayoría de ellas se apoyan sobre sonidos ambientales en los que las notas del piano pasean de forma ordenada y melódica; con ellas se relacionan multitud de efectos de carácter industrial, como pueden ser sonidos de metales y distorsiones ecualizadas, formando así un ambiente fantástico y mágico. Hay que resaltar que, tanto en éste como en la mayoría de los lanzamientos de Shinjuku Thief, predomina la ambientación orquestal, que le otorga un carácter épico, además de presentar innumerables referencias y guiños hacia las obras del célebre escritor checo Franz Kafka.

Si tenemos que destacar una cabeza dentro de este conjunto, sin duda tendríamos que centrarnos en la figura de Darrin Verhagen, que además de dar forma a Shinjuku Thief, ha realizado cuatro proyectos más a lo largo de su carrera musical: uno de ellos bajo su propio nombre, con el que publicó nada menos que cinco discos; por otro lado Shinjuku Filth, que tiene una orientación mucho más industrial y noise que Shinjuku Thief y con el que publicará tres cds.
Aparecerá también un proyecto conocido como Profesor Richmann, en el que Verhagen colabora con Franc Tétaz, conocido por producir numerosos trabajos de corte electrónico con excelentes resultados. El último proyecto de este australiano es conocido por las siglas E.P.A. y es, sin lugar a dudas, el estudio más violento que ha realizado en el ámbito musical: resulta agresivo y viciado. Bajo este nombre editará dos trabajos, "Black Ice" y "AZ50HD", este último publicado en 2005 y compartido con el proyecto sueco Des Esseintes, liderado por Magnus Sundström, que no es ni más ni menos que el creador de The Protagonist, uno de los grandes descubrimientos del sello Cold Meat Industry.

Como se ha podido comprobar, Shinjuku Thief presenta solvencia como grupo de alta calidad, aunque tan sólo sea por su envidiable trayectoria musical. Tras este fantástico recorrido onírico que es “The Scribbler”, el autor presentará otros seis trabajos más en su propio sello Dorobo, y otro con Fin De Siecle Media en el año 2005.

Si os gustó The Protagonist, no dudéis en escuchar este cd, influencia para gran número de bandas que han realizado recreaciones melódicas de carácter experimental y ambient durante la última década del siglo pasado; además, esta edición de Cold Spring Records incluye un interesante vídeo, inédito hasta el momento. Los buenos momentos existen para los que saben disfrutar del tiempo." Fernando O. Paíno.

DEATHPILE - DEDICATED TO EDMUND EMIL KEMPER

2007-12-06T15:04:00.001+01:00

DEATHPILE - Dedicated To Edmund Emil Kemper 7''
(Self Abuse, 1997)

Deathpile (1995-2004) nació tras la separación de otro proyecto experimental puesto en marcha por Jonathan Canady en 1993, llamado Torture Chamber. En principio como proyecto individual y posteriormente como grupo, Deathpile derivó rápidamente hacia un sonido electrónico abrupto, áspero y contundente, adornado por una estética sádica y oscura y una temática centrada en los aspectos más siniestros y diabólicos de la humanidad, temas tabú incómodos y desagradables para una mayoría de la gente. Este apego a aspectos tan poco habituales en según qué ámbitos es perfectamente documentado por Canady en una entrevista: “soy un tipo feliz que disfruta con el sufrimiento de los demás”.

De “Dedicated To Edmund Emil Kemper” se publicaron en 1997 solamente doscientas ciencuenta copias a través de la discográfica estadounidense Self Abuse Records (Mlehst, Merzbow, Aube, Skin Crime...), como parte de las conocidas ‘Murder Series’ de este sello, dedicadas a las macabras historias de algunos de los asesinos en serie más famosos en EEUU, y por las que, en el caso de Kemper, Canady parecía estar bastante interesado.

En total son sólo dos pistas -'Walking Time Bomb' y 'Triumph Of The Hunter'- en únicamente diez minutos. Diez minutos más que suficientes para trasladar a un vinilo de siete pulgadas la sensación incómoda provocada por el sonido opresivo y agobiante en clave noise/power-electronics ejecutado con sadismo por J. Canady y M. Todd, empapado de un ambiente malsano y de las espeluznantes voces manipuladas escupiendo el pensamiento enfermo de Kemper: “What I wanted to see was the death, and I wanted to see the triumph, the exultation over death. It was like eating, or a narcotic, something that drove me more and more and more”.

Deathpile - Dedicated To Edmund Emil Kemper 7''

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THE GREY WOLVES - CATHOLIC PRIESTS FUCK CHILDREN

2007-12-05T21:11:00.001+01:00

THE GREY WOLVES - Catholic Priests Fuck Children [cd-r]
(Open Wound, 2001)

De explícito y tajante título, "Catholic Priests Fuck Children" fue publicado originalmente en 1996 por el sello alemán Praxis Dr. Bearmann, aunque cinco años después sería reeditado en cd-r via Open Wound, sello especializado en música noise e industrial puesto en marcha por Trevor Ward, cincuenta por ciento de The Grey Wolves. Pioneros de lo que se denominó 'death-industrial', primero en Reino Unido y más tarde en toda Europa, en "Catholic Priests Fuck Children" tenemos un ejemplo más de música oscura, áspera y desasosegante. Portadores de un sólido mensaje difundido a través de sus polémicos discos y manifiestos, The Grey Wolves sacaron de sus entrañas una nube tóxica de ruido industrial desesperanzado, pesimista y angustioso. Un paisaje apocalíptico e incómodo perfectamente retratado a través de su particular sonido. Sonido gris y disonante, a veces repetitivo y a veces camaleónico, pero siempre apabullante.

The Grey Wolves - Catholic Priests Fuck Children

MACHINEFABRIEK - VANCOUVER

2007-12-04T13:29:00.001+01:00

MACHINEFABRIEK - Vancouver
(Lampse, 2005)

"Vancouver" es el ejemplo perfecto para ilustrar la habilidad de Machinefabriek (Rutger Zuydervelt) para manipular el ruido, los samples y los instrumentos acústicos en vivo, levantando drones pulsátiles a base de crescendos que recuerdan a Supersilent, y que provocarán un instantáneo escalofrío en tu espina dorsal. Disponible originalmente como cd de 3'' a través de su propia web, este Ep es una buena introducción al universo de caos controlado en el que vive Machinefabriek, donde muestra sus escarceos con poderosas melodías, el metal/drone y la escuela de guitarra de Fennesz." Lampse.

Machinefabriek - Vancouver

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SM - ARTIFICIAL HORIZONS

2007-12-02T19:36:00.001+01:00

SM - Artificial Horizons
(Electrosound, 2006)

"The music of Sergey Yakimov from Ekaterinburg is an immersion in the perspective, the dim sight beyond horizon. Stylistically, the SM sound can be refered to the psychodelic forms of ambient dub, with dot elements of ethnic and instrumental music.

The skeleton from deeply covered melodies and reqular, strong weaved, rhythms is sated with an amorphous clew constists of a melancholy, grief and sensuality. Very suitable music, both for simple, and for complex conditions equally".

SM - Artificial Horizons [es.21]

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HIGH ON FIRE + PELICAN

2007-12-01T16:06:00.001+01:00

ENORME

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ZAN HOFFMAN & RINUS VAN ALEBEEK en España

2007-11-25T20:24:00.001+01:00

DNASNOW / MOUSEUP (ZAN HOFFMAN + RINUS VAN ALEBEEK)

Zan Hoffman (Louisville, EE.UU) y Rinus Van Alebeek (Holanda, Berlín) son dnasnow/mouseup, dos personalidades de la escena cassette de ruido y música experimental.

Con este nuevo proyecto emprenden gira por Europa que recalará en España esta semanaa próxima. El planteamiento de estos artistas-testigos sonoros se basa en sus actuaciones en directo, en las grabaciones que registran de los lugares en que actúan previamente a la actuación. Con ese material fresco, sin procesar, componen un viaje sonoro único mezclando, distorsionando y seleccionando, apoyados por grabaciones que, como las que harán aquí, llevan recogiendo a lo largo y ancho del mundo y de sus trayectorias.

Zan Hoffman comenzó sus actividades en los primeros 80 en la escena de las cintas caseras de cassette (un formato que gozó de cierto auge entonces para la difusión de la música experimental). En esa época se juntó un grupo de gente que se relacionaba por correo e intercambiaban la música que habían grabado en casa en cintas. Esta comunidad no solo anticipó de alguna manera la red de intercambio actual via internet y myspace, también cambió radicalmente la cara de la música actual. ¿Dónde estaría toda la cultura del ruido sin ellos?

Mientras experimentadores sonoros como Francisco López, Genesis P.Orridge y Merzbow encontraron su camino actuando a lo largo y ancho del mundo, Zan ha continuado con sus redes de actividades y ahora es considerado como una figura emergente clave de aquellos primeros años. Y todavía con fuerza, si nos fijamos en sus numerosas colaboraciones y una producción creciente que pronto alcanzará su publicación nº 1000.

Rinus van Alebeek se encontró con Zan por casualidad en el festival LEM de Barcelona en su edición del año 2000. Este encuentro resultó crucial para su carrera en el sonido. Inmediatamente empezaron a trabajar juntos, montaron un concierto ilegal durante el festival Observatori de Valencia, y la colaboración quedó sellada tras una visita de Rinus de tres meses a Louisville (Kentucky), la ciudad de Zan. Rinus ha recorrido un largo camino desde entonces y despliega ahora mucha actividad en la escena ruidista de Berlin, donde organiza cada año el festival internacional Das Kleine Field Recordings Festival .

dnasnow/mouseup es el nombre que usan para sus aventuras sónicas, y están invitados a tocar en el festival MeM de Bilbao. En qué consistirá y cómo puede sonar está descrito en la página myspace del dúo.

Fechas en España:

30 de Noviembre, Madrid. La Casa de los Jacintos, c/Arganzuela, 11. (21:00)

1 de Diciembre, Bilbao. MeM Festival.

5 de Diciembre, Valencia. ((VIBRA)) Ciclo de Arte Sonoro y Música Experimental, Edificio Octubre Centro de Cultura Contemporánea, c/ San Fernando, 12. (20:00)

GONROISE - 585

2007-11-19T20:35:00.000+01:00

GONROISE - 585
(Roil Noise Offensive, Smell The Stench, 2006)

Como viene siendo habitual con la mayoría de las ediciones de Roil Noise (esta vez publicado a medias con Smell The Stench), descargué este disco de su propia web al azar, por mera curiosidad. El nombre raro y lo inexpresivo del título sin duda tuvieron algo que ver. No mucho más puesto que la información disponible en google sobre Gonroise es prácticamente inexistente. Sea como sea, acerté.
Al parecer, Gonroise (deformación del nombre de pila de su joven autor y único componente) nace como proyecto en 2004, en la ciudad israelí de Hadera. Hecho éste más extraño aún porque si bien no son pocas las formaciones similares procedentes de Israel, sí se cuentan con una mano las que han conseguido no ya salir del anonimato, sino conseguir algo de difusión fuera de sus herméticas fronteras.
En cuanto a la música, “585” no es exactamente lo que se podría esperar de un disco procedente de RNO, o al menos, no lo que estoy acostumbrado a escuchar por su parte. Menos aún cuando se escucha la intro del álbum, marcada por un tono áspero plagado de blips y sonidos marcianos que descolocan un poco. Lo que viene después sí define tajante y sintéticamente el ánimo, el color y la identidad sonora del disco.
Aunque se señala como principal influencia a algunos artistas noise (inevitables Merzbow o Prurient…), ciertamente se percibe más fácilmente la de Whitehouse, Genocide Organ, Grey Wolves o Wolf Eyes. Al margen de todo ello, “585” es un disco moderadamente original, satisfactorio y sin pegas. Oscilando siempre en una tierra de nadie entre la tormenta sonora y el ruido industrializado, la sensación clara, concisa y devastadora que deja su escucha es desapacible, incómoda y siempre opresiva.
A base de distorsión, chirridos estruendosos, voces deformadas -o monstruosamente enloquecidas- y ruido de metales se transmite un estado desasosegante, siniestro y permanentemente inquietante. El abrupto noise oscuro y metálico se disipa a veces en oleadas de lo que podríamos denominar como noise-ambient hipnótico y otras, las más frecuentes, en escenificaciones desoladoras de lo que con facilidad podría pasar por banda sonora para una película apocalíptica de ciencia-ficción futurista, donde la vertiente más industrial y metálica lo absorbe todo para vomitar un panorama tétrico y fantasmal, siempre asfixiante y brutal.
Lo dicen en RNO y no exageran: “Close your eyes and dive into this painful journey of the second Beit Hamkidash destruction. Hear the massacre, feel the pain and watch the extinction”. Desolador.

Gonroise - 585

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LONG DESERT COWBOY - WESTERN SPAGHETTI

2007-11-14T21:12:00.000+01:00

LONG DESERT COWBOY - Western Spaghetti
(Test Tube, 2007)

“El “alentejano” Daniel Catarino propone para su segundo lanzamiento como Long Desert Cowboy un sonido no tan basado en las guitarras y menos deudor de Ry Cooder que lo explorado en el primer volumen (curiosamente, es este último el que ha sido titulado ‘Western Spaghetti’).

Es éste un álbum de matices, aislamiento, reflexión y contención, que apuesta mucho más alto por ‘lo que no se dice’ que por ‘lo que se dice’. Esto encuentra un cierto paralelismo con la pieza “Banda Sonora para un Dia Normal” de Landfill –el otro alias de Catarino- pero en este caso el énfasis no se sitúa en el mosaico de elementos reunidos en contraste, sino que en su lugar está puesto sobre la construcción de ejercicios impresionistas.

“For the Money”, por ejemplo, se hace a sí misma a base de sonidos –de origen desconocido- procedentes de diferentes aviones, empapados de delay y acompañados de pacientes sintetizadores. En “Kicking the Sand”, una voz monástica ondea sobre la guitarra blusera y lo que parecen ser grabaciones de campo. Mientras que “Tired of Being Fucking Poor and Honest” es ambient de guitarras sostenido en una tímida levitación. Con o sin el acompañamiento de ‘Sandshoes’, ‘Western Spaghetti’ es un disco más que apropiado para la introspección mental durante la noche”. (Pedro Rios).

Long Desert Cowboy - Western Spaghetti

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LONG DESERT COWBOY - SANDSHOES

2007-11-13T18:53:00.000+01:00

LONG DESERT COWBOY - Sandshoes
(Test Tube, 2007)

"El nuevo proyecto musical de Daniel Catarino (también conocido como Landfill) trae un aire polvoriento sobre nuestros pasos y sobre sus respectivas pisadas. Quizás no sea algo deliberado, pero el primero de los dos volúmenes nacidos de esta nueva aventura trae consigo el olor y el tacto de Ry Cooder. A lo largo de las seis partes de éste, Daniel Catarino esboza un mapa de arena, dibujando paisajes profusamente detallados. Long Desert Cowboy es, por así decirlo, un arquitecto del paisaje que respeta su entorno pese al proyecto que maneja entre las manos. En “Bee 7” camina todavía por el terreno de los sueños (un terreno atravesado por mensajes de emisores no identificados) y la imaginación, pero de “$$$” en adelante, Daniel Catarino se sale del camino y regala cinco momentos de una extraña belleza: hacia el final utiliza de diverso modo su guitarra, los teclados y los sonidos robados de la vida real. Aquí mismo y de principio a fin, ‘Sandshoes’ es la visión del profundo oeste americano desde la perspectiva de un portugués. Un viaje que merece la pena hacer." (André Gomes).

Long Desert Cowboy - Sandshoes

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GONG - CAMEMBERT ELECTRIQUE

2007-11-12T19:24:00.001+01:00

GONG
"Camembert Electrique" [Lp]
(Caroline, 1971)

01. Radio Gnome Prediction (0'25'')
02. You Can't Kill Me (6'18'')
03. I've Bin Stone Before (4'55'')
04. Mister Long Shanks: O Mother, I Am Your Fantasy (3'35'')
05. Dynamite: I Am Your Animal (4'30'')
06. Wet Cheese Delirium (0'28'')
07. Squeezing Sponges Over Policemens Heads (0'10'')
08. Fohat Digs Holes In Space (6'18'')
09. And You Tried So Hard (4'35'')
10. Tropical Fish: Selene (7'32'')
11. Gnome The Second (0'26'')

Submarine Capt.: bass.
Pip Pyle: drums.
Bert Camembert: guitar, vocals.
Bloomdido Bad De Grasse: saxophone, flute.
Shakti Yoni: vocals.

Recorded May, June and September 1971 at Michel Magne's Honky Chateau in Normandy, France.
Engineer: Bill Salle
Producer: Pierre Lattes.

Gong - Camembert Electrique

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ACID MOTHERS TEMPLE & THE MELTING PARAISO U.F.O. - Univers Zen Ou De Zéro À Zéro

2007-11-08T22:26:00.001+01:00

ACID MOTHERS TEMPLE & THE MELTING PARAISO U.F.O.
"Univers Zen Ou De Zéro À Zéro" [Cd]
(Fractal, 2002)

01. Electric Love Machine (10:33)
02. Ange Mécanique De Saturne (10:31)
03. Blues Pour Bible Noire (21:40)
04. Trinité Orphique (2:31)
05. Soleil De Cristal Et Lune D'Argent (22:25)
06. God Bless AMT (3:43)

Cotton Casino: vocals, synthesizer, beer & cigarette.
Tsuyama Atsushi: monster bass, vocals, acoustic guitar, cosmic joker.
Koizumi Hajime: drums, sleeping monk.
Higashi Hiroshi: synthesizer, dancin'king.
Magic Aum Gigi: jews harp, erotic underground.
Kawabata Makoto: electric guitars, bouzouki, violin, tambura, speed guru.
Hiroshi Nar: guitar solo on "Electric Love Machine" (left channel).
Fother Moo: mooooooooooooooooooo.

Recorded at Acid Mothers Temple and Omega Sound.
Engineered by Kawabata Makoto and Kotani Tetsuya (Omega Sound).
Mixed by Kawabata Makoto.

Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O. - Univers Zen Ou De Zéro À Zéro
(cortesía de Absolut Kawabata! / Kawabata Makoto)

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ACID MOTHERS TEMPLE & THE COSMIC INFERNO - Starless And Bible Black Sabbath

2007-11-08T17:16:00.000+01:00

ACID MOTHERS TEMPLE & THE COSMIC INFERNO
"Starless And Bible Black Sabbath" [Cd]
(Alien8, 2005)

01. Starless And Bible Black Sabbath (34'29'')
02. Woman From A Hell (6'14'')

Tabata Mitsuru: bass, vocals, maratab.
Higashi Hiroshi: electric guitar, dancin'king.
Shimura Koji: drums, latino cool.
Okano Futoshi: drums, god speed.
Kawabata Makoto: guitars, speed guru.

recorded at Acid Mothers Temple, march-may 2005
produced and engineered by Kawabata Makoto.

Acid Mothers Temple & The Cosmic Inferno - Starless And Bible Black Sabbath
(cortesía de Absolut Kawabata! / Kawabata Makoto)

ACID MOTHERS TEMPLE & THE MELTING PARAISO U.F.O. - In C

2007-11-07T16:14:00.001+01:00

ACID MOTHERS TEMPLE & THE MELTING PARAISO U.F.O.
"In C" [Lp]
(Eclipse Records, 2001)

01. In C (20'31'')
02. In E (16'30'')
03. In D (bonus track) (19'47'')

Cotton Casino: voice.
Tsuyama Atsushi: monster bass.
Higashi Hiroshi: electric guitar, synthesizer.
Ichiraku Yoshimitsu: drums.
Kawabata Makoto: electric guitar, violin, zuruna, synthesizer.
Terukina Noriko: vibraphone, glockenspiel.

Recorded at FTF studio, Indo-yo and Acid Mothers Temple.
Produced and Engineered by Kawabata Makoto.

Artwork: Ichikawa Sachiko.

Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O. - In C
(cortesía de Absolut Kawabata! / Kawabata Makoto)